Модная иллюстрация: что это, история и новый виток популярности

Рисование светом

www.lightpaintingphotography.com

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

www.tutophoto.com

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

Скульптуры Эрте (Тыртова Романа)

Эрте – один из самых ярких персонажей художественной сцены ХХ века. Русский по происхождению и совершенно забытый в России. Им восхищались Жорж Баланчин и Энди Уорхол. Художник моды, график, автор театральных костюмов и скульптор, он остался в истории искусства нашего столетия как ярчайший представитель стиля арт-деко.

Эрте – это псевдоним. Настоящее имя одного из самых успешных художников ХХ века – Роман Петрович Тыртов. Потомок старинного русского рода, берущего начало от татарского хана Тырта, он стал известен всему миру под псевдонимом Эрте, который взял, «чтобы не позорить семью».

Он начал с балета и некоторое время брал уроки танца у дочери знаменитого хореографа Мориса Петипа. Затем стал учиться живописи у Ильи Репина.   Ради искусства Эрте пришлось отказаться от традиционной в семье карьеры военно-морского офицера: несмотря на недовольство отца-адмирала, в 1912 году Эрте уехал из Петербурга в Париж, чтобы никогда больше не вернуться в Россию.

В Париже он посещал класс живописи знаменитой Академии Жульена, которую оставил, чтобы полностью посвятить себя профессии дизайнера моды. Каждый месяц Эрте посылал рисунки в русский журнал «Дамский мир», работал модельером в знаменитом доме моды Поля Пуаре и выступил в качестве автора костюмов к спектаклю «Минарет» в парижском театре Ренессанс.

В 1915 году двадцатидвухлетний художник заключил долгосрочный контракт с журналом «Harper’s Bazaar», для которого сделал в общей сложности 250 обложек. Одновременно как дизайнер одежды он сотрудничал с «Vogue», «Cosmopolitan», «Women’s Home Journal». Очень скоро Эрте стал по-настоящему знаменитым. Любая элегантная женщина, интересующаяся модой по обе стороны Атлантики, знала его и безоговорочно верила его вкусу. Но этого Эрте было мало: его творческая энергия и многосторонность просто удивительны.

Он делал костюмы и занимался сценографией в парижской Гранд-опера, нью-йоркской Метрополитен-опера и Лондонском оперном театре, а одно время был художником голливудской студии Метро-Голдвин-Мейер, где работал над несколькими фильмами, в том числе – над знаменитым «Бен Гуром».

В 1960-е годы Эрте впервые обратился к еще одному новому для себя виду искусства – скульптуре. Персонажи ранних рисунков и гуашей словно обрели плоть и кровь, переместясь в трехмерное пространство.

Женские фигурки в точности сохраняли размеры и пропорции оригинала, но скульптура диктовала свои законы. Художник словно дорисовывал невидимые на листе детали и ракурсы.

Бронзовая поверхность подвергалась тщательной обработке, покрывалась цветной патиной, позолотой и серебром, что диктовало другие, более насыщенные, чем в графике, цвета. На подготовительных стадиях Эрте мог изменить композицию в сторону большей динамичности или, наоборот, статичности. Он добавлял или убирал отдельные детали. В результате художник создал более сотни скульптур; для всех он разрабатывал оригинальные постаменты, превращая каждую работу в полномасштабную театральную постановку.

Fedora

Cornucopia

История фэшн-иллюстрации

Что такое fashion-иллюстрация мир узнал около 500 лет назад. В XVI веке художники рисовали придворных дам и кавалеров в модных нарядах, а в конце века свет увидела книга с изображениями одежды и руководствами по их пошиву. Первым фэшн-иллюстратором принято считать художника Вацлава Холлара, который жил и работал в Лондоне с 1640-х годов. Он был настоящим трудоголиком и создал около 3 000 гравюр в технике офорта на самые разные темы от пейзажей до рисунков женских нарядов. В 1679 году в Лионе впервые вышел журнал Mercure Galant, который стал пионером в мире модного глянца. Издание содержало рисунки легендарных художников Пьера Боннарома, Абрахама Боссома и многих других.

Активное развитие модной иллюстрации пришлось на конец XIX и начало XX веков. В то время журналы получили всеобщую популярность, модники всего мира с нетерпением ждали выхода новых выпусков. Это в свою очередь способствовало появлению великих иллюстраторов, которые стали связующим звеном между модой и людьми.

Художники Чарльз Дана Гибсон и Джованни Болдини работали в конце XIX и середине XX веков, именно они во многом повлияли на формирование самого понятия женской красоты, изображая моделей в изысканных нарядах и со стройной фигурой. Отдельного внимания заслуживает Гибсон, т.к. он создавал своим героиням особый образ, которому старались подражать реальные женщины. По сути, «Девушки Гибсона» были первыми рисованными иконами стиля! Особый вклад в развитие жанра также внесли модные иллюстраторы Пол Ирибе, Жорж Барбье, Жорж Лепэйп, Эрте, Кеннет Пол Блок и многие другие.

С 1930-х годов Vogue начал публиковать на обложках фотографии, что пагубно сказалось на fashion-иллюстрации. В 1960 годах направление «сдало» позиции и уступило место снимкам, однако никогда не исчезало и продолжало развиваться.

Эрте: жизнь и творчество художника

Эрте (Тыртов Роман Петрович) (1892–1990) – французский художник, иллюстратор русского происхождения.

Биография Эрте

Творчество Эрте

Работы художника

Картины Эрте

Биография Эрте

Потомок старинного дворянского рода. Родился в Санкт-Петербурге. Отец — генерал-лейтенант флота Тыртов Пётр Иванович (21.11.1856 — 30.12.1927), с ноября 1908 до октября 1917 года — начальник Морского инженерного училища.

В 1912 году Роман Тыртов по окончании гимназии, уехал в Париж. С 1913 года работал в Доме моды Поля Пуаре.

Потомок старинного русского рода, берущего начало от татарского хана Тырта, он стал известен всему миру под псевдонимом Эрте (составлен из первых букв имени и фамилии), который взял, «чтобы не позорить семью».

Творчество Эрте

В 1920-е годы был одним из ведущих художников стиля «ар-деко». Создавал костюмы для Анны Павловой, Мата Хари, Лиллиан Гиш.

В 1925 году приглашен в Голливуд, на студию «Метро-Голдвин-Майер». В 1925—1937 году выполнил более ста обложек для журналов «Харперс Базар» и «Вог», сделав их новым феноменом искусства.

В 1940-х — 1960-х — скульптор, график. (автор серий «Цифры» и «Алфавит»), сценограф (в частности оформлял балеты Ролана Пети).

Работами Романа Тыртова восхищались Джордж Баланчин и Энди Уорхол.

В начале 1970-х, в эпоху нового интереса к «ар-деко» достиг мировой известности.

Находясь под влиянием индийских миниатюр, в биографии Эрте были созданы оформления, иллюстрации, рисунки, которые были очень стилизованными и утонченными.

Умер великий художник 21 апреля 1990 года во Франции.

Большая коллекция работ Эрте находится в музее Токио.

Работы художника

• Ganna Walska in Rigoletto
• The Zodiac, Gemini
• The Seasons, Summer
• Eyes of Jealousy
• The Seasons, Winter
• Adam and Eve
• Alphabet C
• At the Theatre, Symphony in Black

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: ru.wikipedia.org, all-biography.ru

Эрте: картины художника

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Эрте: жизнь и творчество художника

Алексей Бродович

Арт-директор Harpers’ Bazaar, который уволил Эрте, тоже был эмигрантом из российской империи.

У Бродовича был не такой радужный старт, как у Тыртова. Перед тем, как уехать в Париж, он успел повоевать, повзрослеть и жениться. А в Париже поселился на Монмартре, в бедном квартале беглых художников.

Благодаря местному комьюнити он познакомился с Дягилевым, который дал ему работу. Бродович создавал декорации и афиши для «Русских сезонов». Там же, в театре, он занимался фотографией. Все эти моушн-блюр картинки тогда были чем-то совсем авангардным, но позже Бродович использовал их в модных журналах.

https://garagemca.org/en/event/140 https://www.amazon.es/Alexey-Brodovitch-Ballet-Books-11/dp/1935004220

Считается, что конкурс плакатов для благотворительного бала стал первым успехом для Бродовича. И дело даже не в том, что он занял первое место, а в том, что Пабло Пикассо занял второе.

Конкурсный плакат, 1924

С тех пор карьера Бродовича пошла в гору, и в 1930 его пригласили преподавать дизайн в США, а в 1934 он стал арт-директором журнала Harpers’ Bazaar. Его работа с фотографиями и вёрсткой сделала журналы такими, какими мы привыкли их видеть.

Так выглядели модные журналы в 20-30 годах:

October, 1921 Suit from the French magazine “L’Ilustration Des Modes”.

А такими их сделал Бродович:

Что посмотреть

Карьера в прикольной инфографике на таймлайне.

И краткая биография, которую можно послушать фоном:

Трейлер к выставке в Цюрихе. Да, и такое бывает:

Ностальгический ретровейв

Воспоминания из детства и ушедшая эпоха служат неиссякаемым источником вдохновения для многих рисовальщиков. Это также понятный путь для бизнеса — ретроупаковки и оформление придают продукту определённый дружелюбный шарм, винтажный стиль. Их интересно разглядывать и хочется купить.

Иллюстратор Rakhmat JakaИзображение: @rakhmatjaka / «Инстаграм»*

Ретро бывает разным. Это не бездумное копирование стиля из прошлого, а скорее его переосмысление в контексте новых реалий. В этом направлении прячется множество отсылок и выразительных приёмов. Особенно интересно смотреть за тем, как меняется тренд сейчас. Стиль всё больше походит на аналоговые изображения, даже в цифровом пространстве. Всё чаще можно увидеть причудливую и контрастную стилизацию, шероховатые текстуры создают и полутоновые тени, и свет.

Иллюстратор Rakhmat JakaИзображение: @rakhmatjaka / «Инстаграм»*

Фотореализм

Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

Audrey Flack Audrey Flack Chuck Close Chuck Close Duane Hanson Duane Hanson Duane Hanson

Ким Джонс

Английский модельер Ким Джонс, Kim Jones в начале карьеры предпринял попытку повторить успех мировых дизайнеров и открыть собственный бренд. Компанию он действительно основал, но прославился вовсе не благодаря ей. Добиться известности ему помогло сотрудничество с мировыми брендами.

Ким Джонс

В ранние годы он работал с Hugo Boss, потом стал креативным директором Alfred Dunhill, а затем работал стилистом для журналов. В 2011 стал директором по стилю в отделе мужской одежды Louis Vuitton. В сентябре 2022 Джонс был назначен художественным руководителем в Fendi.

И хотя дизайнера часто обвиняют в отсутствии фантазии – якобы в основе его коллекций всегда лежат архивные вещи, разработанные до его прихода, Джонсу это не мешает получать престижные премии. В 2021 он в третий раз получил Британскую премию моды, British Fashion Awards.

Антонио Лопес – бунт и диско

Эскизы Антонио Лопеса.

Эскизы Антонио Лопеса.

Моду семидесятых невозможно представить без смелой, почти скандальной графики Антонио Лопеса. Он не нашел понимания в США – ведь женщины в его работах были не только дерзкими и шокирующе чувственными, но и нередко… небелыми. Зато в Париже он обрел истинную славу. Карл Лагерфельд восхищался его работами, а Энди Уорхол буквально сгорал от зависти к его популярности у окружающих всех полов и возрастов. Яркие цвета, безумные принты, изобретательные композиции – пусть Лопес ушел из жизни слишком рано, его узнаваемый стиль сформировал язык современной экспериментальной графики моды.

Тени в искусстве

Kumi Yamashita

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

Kumi Yamashita

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

Fred Eerdekens Fred Eerdekens Fred Eerdekens Fred Eerdekens

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

Tim Noble & Sue Webster Tim Noble & Sue Webster

Реверс трёхмерных изображений

Alexa Meade

В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.

Alexa Meade

Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.

Alexa Meade

Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.

Alexa Meade

Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.

Alexa Meade

Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.

Cynthia Greig Cynthia Greig Cynthia Greig

Эрте – икона ар деко

Рисунки Эрте.

Роман Тыртов, взявший себе творческий псевдоним, «чтобы не позорить семью», вошел в историю искусства как скульптор, модельер, сценограф, художник, создатель мебели и светильников, но главное – культовый модный иллюстратор, один из главных выразителей стиля ар-деко. Уже в пятилетнем возрасте он придумывал наряды для своей матери и давал советы семейной портнихе. В двадцатилетнем возрасте покинул Россию – чтобы никогда больше не вернуться. Он пытался найти работу в Париже в малоизвестном модном доме, однако ему ответили отказом, и юноша решился отправить свои эскизы самому Полю Пуаре. А тот пришел в восторг и принял его на работу.

Эрте создавал театральные эскизы, придумывал костюмы, проектировал рекламу…

Их сотрудничество, поначалу благополучное, окончилось судебным процессом, и Эрте ушел в свободное плавание. Он придумывал и создавал костюмы для Анны Павловой, Мата Хари, Лиллиан Гиш, оформлял театральные постановки, рисовал для глянцевых журналов. Ему отказал в совместной работе Дягилев – только чтобы посоветовать ответить согласием на более выгодное рабочее предложение от американцев. Стиль Эрте – одновременно жесткий и романтичный, полный причудливых фантазий и завораживающих орнаментов – прочно вошел в историю мирового изобразительного искусства.

Дэвид Даунтон и возрождение модной иллюстрации

Рисунки Дэвида Даунтона.

Рисунки Дэвида Даунтона.

Начал карьеру иллюстратора в 1984 году. Создавал иллюстрации для фантастических произведений, иллюстрировал поваренные книги, активно работал в области модной иллюстрации, разрабатывал проекты в области графического дизайна и рекламы. В 1996 году при сотрудничестве с газетой The Financial Times выполнил ряд иллюстраций по мотивам показов Недели моды в Нью-Йорке. Самый известный российскому зрителю проект художника – серия самых красивых женщин мира, среди которых Твигги, Палома Пикассо, Дита фон Тиз, Катрин Денев и другие.

Том Форд

Том – личность многогранная. Он занимается дизайном одежды для бренда имени себя — Tom Ford, а в свободное время пробует другие профессии. Одной из самых успешных его попыток стала работа в кино на посту режиссера – в его фильмографии числятся фильмы «Под покровом ночи» и «Одинокий мужчина».

Том Форд

Путь всемирно известного модельера он начал в конце 80-х. Сначала занимал пост дизайнера для линейки Perry Ellis бренда Marc Jacobs, а в 1990 получил место дизайнера женской одежды модного дома Gucci. В 1994 мужчину повысили до креативного директора. В 2007 он решил заняться собственным брендом и открыл первый бутик в Нью-Йорке.

Одежда от Тома Форда – это намеренная демонстрация статуса

Модельер уделяет внимание даже незначительным деталям, придерживаясь мнения, что богатые должны демонстрировать свою состоятельность. Прослеживается эта тяга к шику и в бутиках бренда, где стоят мраморные камины, столы с крокодиловыми вставками, а пол украшают ковры из натуральной бобровой шерсти

@tomford

14+ лет ответы для старшей школы

Первый вопрос такой же, как и в остальных возрастных категориях, смотрите подробности выше. Ответ:

1. Появление подвижных танцев — Укороченные юбки
2. Освоение космоса — Популярность серебристого цвета
3. Создание искусственного красителя для ткани — Мода на пурпурный цвет
4. Изобретение пластиковой бутылки — Одежда из полиэстера

Изображения из фильма «Человек-паук» надо сопоставить с предложенными ситуациями.

Задание основано на том, что тренды приходят в моду отовсюду: из спорта, субкультур, униформы. Мировые звёзды тоже не всё сами себе придумывают, вот и надо сопоставить между собой две пары картинок.

Как вы думаете, что ещё можно узнать о вещи по бирке?

Нужно выбрать несколько вариантов из предложенного списка:

Из чего она сделана

Где она сделана

Кто её носил

Как за ней ухаживать

Срок годности

Кулответ выбрал быстро, это все, кроме «Кто её носил«, вообще смешное предположение, и «Срок годности«, так как такое не предусмотрено (Например, на ярлычке не найти срок годности одежды, ведь срок её службы напрямую зависит от того, как вы за ней ухаживаете).

Расставьте способы ухода за одеждой от наиболее экологичного к наименее экологичному.

Ухаживать за одеждой можно по разному, вот и надо в задании расставить методы стирки. Кулответ не ошибся в выборе, растравляйте именно так:

1. стирка в стиральной машине при низкой температуре
2. ручная стирка
3. стирка в стиральной машине при высокой температуре
4. химчистка

Какие методы позволяют продлить жизнь одежде, которую вы больше не носите?

Выберите из списка все подходящие варианты.

• оставить, так как винтаж снова будет модным через сколько-то лет
• кастомизировать (подогнать под свою фигуру)
• поменяться на свопе (торгово-финансовая обменная операция в виде обмена разнообразными активами)
• перешить
• отдать родственнику
• сжечь
• разрезать на тряпочки для уборки
• отдать в переработку

Кроме «сжечь«, все ответы надо выбрать, для правильного варианта.

Как вы думаете, как ещё используют виртуальную одежду?

Полное повторение 11 вопроса из предыдущей категории, ответ читайте выше. Но есть один косяк, на этой возрастной категории надо ещё выбрать «для косплея«

Так что обратите на это внимание!

Happy

45

Sad

10

Excited

30

Sleepy

7

Angry

22

Surprise

11

Вопросы

Какого-то разделения внутри профессии модельера нет. Единственное, чем отличаются дизайнеры одежды – сферой деятельности: кто-то работает над обычной одеждой, кто-то создает костюмы для фильмов, кому-то ближе аксессуары.

Модельер должен иметь высшее образование по направлению «Дизайн», но зачастую этого недостаточно – важно обладать определенным складом ума, хорошей фантазией, умением видеть прекрасное. Именно набор навыков и умений определяет хорошего дизайнера одежды, а не диплом

Разница незначительная, а последнее время границы вообще практически стерлись. В изначальном понимании, модельер – это тот, кто работает над идеей, а дизайнер – тот, кто ее воплощает. Но современный мир моды вынуждает быть универсальными, поэтому и модельеры, и дизайнеры имеют плюс-минус одинаковый функционал.

Кутюрье – этот тот же модельер, но в мире высокой моды, который работает над кутюрными, эксклюзивными вещами.

Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk

Flat и авторская графика

Векторная и растровая графика заметно меняются с каждым годом, иллюстраторы тянут её в разные стороны, чтобы индивидуализировать проекты и показать креативному сообществу своё видение решения привычных задач

Не так важно, насколько аккуратно ты рисуешь, хоть начеркай левой рукой цветными карандашами — стиль в проекте может быть любой, главное, чтобы это было уместно

Проект Zara Man X Sebastian CuriИзображение: Sebastian Curi / Behance
Проект Zara Man X Sebastian CuriИзображение: Sebastian Curi / Behance

Иллюстративное оформление становится свободнее, всё ближе к искусству, а сама сфера — более открытой к новым подходам. Всё чаще уникальные авторские стили становятся ключевым звеном в дизайн-оформлении коммерческих продуктов.

Работа модных иллюстраторов

Современные иллюстраторы возрождают модный рисунок, опираясь на богатую историю fashion-иллюстрации. Они работают в разнообразных техниках: от акварели до акрила, при этом виртуозно сочетают рисование от руки с компьютерными технологиями.

Фэшн-художники делают скетчи на модных показах (без них не обходится ни одна Неделя Моды), переносят стритстайл на бумагу, отрисовывают луки, создают паттерны для тканей, ассистируют дизайнерам одежды при создании коллекций. Они работают над иллюстрациями для модных журналов, книг, фильмов, рекламных роликов, веб-сайтов, социальных сетей, сотрудничают с брендами одежды, косметики, аксессуаров и товаров класса люкс, рекламными агентствами, издательствами и дизайнерскими бюро.

Иллюстраторы должны быстро делать зарисовки от руки, уметь работать с профессиональными программами (Adobe Illustrator, Photoshop и т.д.), справляться с заданиями в срок, а главное иметь узнаваемый индивидуальный стиль и неиссякаемый источник вдохновения.

Эрте

Примерно так началась карьера Романа Тыртова во Франции. Он с детства любил театр, живопись, танцы, и не собирался служить на флоте, как того хотел отец. Отец хоть и был разочарован, но отпустил восемнадцатилетнего сына в Париж. Роман взял псевдоним Эрте, соединив первые буквы имени и фамилии.

Тыртов приносил свои эскизы в модные дома, но его не брали на работу, а в одном месте даже посоветовали никогда не заниматься модой. Тогда он отправил работы Полю Пуаре, который в то время уже был звездой. И Пуаре взял парня на работу.

За 97 лет жизни Эрте успел поработать над дизайном одежды, ювелирки, интерьеров, упаковки парфюма и алкоголя. Он создавал костюмы для театра и кино, занимался скульптурой и 20 лет работал художником в журнале Harpers’ Bazaar.

Костюмы

Первые сценические костюмы Эрте создавал ещё с Пуаре. Одной из самых успешных постановок была пьеса Жана Ришпена «Минарет». Среди актрис, занятых в спектакле, была танцовщица Мата Хари, костюмы для которой проектировал Эрте.

Мата Хари

В феврале 1925 года Эрте заключил контракт на создание костюмов и сценографии для двух фильмов студии Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Контракт был продлен, и Эрте надолго остался в Голливуде в качестве художника. Он разрабатывал декорации и костюмы в том числе для «Богемы» Кинга Видора, «Безумия танца» Роберта Леонарда, «Мистики» Тода Браунинга.

Эскизы и итоговые костюмы

«Безумия танца»

Обложки

В 1915 году Эрте заключил контракт с американским журналом Harpers’ Bazaar. Следующие двадцать лет он иллюстрировал для него статьи и обложки, писал о моде и вёл светскую хронику. Ещё Эрте работал для Vogue, Cosmopolitan, Ladie’s Home Journal, The Sketch и других иллюстрированных изданий.

Когда в Harpers’ Bazaar появилась должность арт директора, её занял Алексей Бродович. Он считал, что иллюстрованные обложки устарели, уволил Эрте и стал делать коллажи и фотографии.

AlphaErté bet Suite

Эту серию он начал в 1927 году после очень успешной выставки в галерее Шарпантье в Париже и планировал завершить два года спустя. Однако художник был слишком загружен заказами и не успел этого сделать. В результате работа растянулась на 40 лет.

Декантеры

В середине 80-х годов Коньячный Дом Courvoisier заказал у Эрте дизайн декантеров. В коллекции семь иллюстраций. Каждая символизирует этап создания коньяка от виноградника до дегустации. Было выпущено всего 12000 пронумерованных экземпляров каждого графина.

Скульптура

После выставки работ Эрте в нью-йоркской галерее музей Метрополитен выкупил 170 его произведений. Это был невероятный успех для художника, который ещё не умер.

А ещё Эрте сам шикарно одевался и любил котиков.

Эрте занял столько ниш в начале века, что так или иначе повлиял на дизайн всего. Мода с экранов всегда приходит в магазины, так что его работы для MGM задавали стиль. Теперь мода двадцатых годов ассоциируется с видением Эрте. И когда дизайнеры в следующие десятилетия цитировали двадцатые, они цитировали именно его.

После смерти

В 1998 году Джон Гальяно представил коллекцию Dior, вдохновлённую Эрте.

Коллекция Lanvin весна 2021, созданная Бруно Чиарелли. Главным акцентом стали эскизы Эрте, созданные художником для бренда и хранящиеся в его архивах с 1920-х годов.

https://www.lanvin.com/us/erte.html https://www.tsum.ru/news/11966598.html

Рисование частями собственного тела

Не только художники, использующие телесные жидкости, находятся сейчас на подъёме. Также набирает популярность использование частей собственного тела в качестве кистей. Взять хотя бы Тима Патча. Он больше известен под псевдонимом «Прикассо», который он взял в честь великого испанского художника Пабло Пикассо. А ещё он известен тем, что использует собственный пенис в качестве кисти. Этот 65-летний австралиец вообще не любит себя ни в чём ограничивать, так что помимо пениса он также использует для рисования ягодицы и мошонку. Этим необычным делом Патч занимается уже более 10 лет. И его популярность растёт год от года.

Тим Патч / www.nydailynews.com

А Кира Айн Варседжи использует собственную грудь для того, чтобы рисовать абстрактные портреты. Хотя её часто критикуют, она, тем не менее, остаётся полноценным художником, который работает ежедневно (картины она также пишет и без использования груди).

Кира Айн Варседжи / en.geourdu.co

К другим художникам в этой странной области искусства относится Ани К, рисующий языком, и Стивен Мармер, школьный учитель, рисующий собственными ягодицами.

Ани К / www.tu-tu-tu.comСтивен Мармер / www.styleweekly.com

Кристобаль Баленсиага

Кристобаль Баленсиага – настоящая загадка мира моды. В свою жизнь посторонних он никогда не пускал, поэтому о ней известно не так много. В 13 лет он выполнил свой первый заказ – подошел на улице к маркизе де Касса Торрес и заявил, что сшил бы наряд гораздо лучше, чем тот, что на ней сейчас, будь у него такие же ткани. Маркиза удивилась, но предложила мальчику попытаться сделать ей туалет – и была шокирована, когда он сшил для нее наряд не хуже, чем любой именитый кутюрье. В 16 он открыл собственное ателье. В 19 – собственный модный Дом. Он был великим архитектором и умел сочетать строгость линий с гипертрофированными объемами, сдержанность и роскошь. Сама Коко Шанель признавала его единственным своим конкурентом – и единственным Кутюрье с большой буквы среди дизайнеров.

Джорджио Армани

Джорджио Армани – один из самых известных модельеров в мире, родом из Италии. Кроме места в списке влиятельных дизайнеров, он также входит в топ богатейших людей планеты. Собственный дом моды Джорджио  основал в 1975, а до этого работал с Нино Черутти, владельцем бренда Cerruti.

РЕКЛАМА — ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ

Джорджио Армани

Армани занимает пост креативного директора своего дома моды Giorgio Armani с момента основания и до сих пор. Отличается неравнодушием к окружающему миру – часто участвует в благотворительных проектах, а в 2016 заявил, что дом моды не будет использовать натуральный мех.

@giorgioarmani

Кроме основной работы – выпуска роскошной одежды, Джорджио несколько раз выступал художником по костюмам. В его копилке работа над одеждой героев фильма «Матрица», «Неприкасаемые», «Американский жиголо».

Эльза Скиапарелли

«Шокирующая Эльза», первый эксцентрик моды и родоначальница pret-a-porte, сейчас далеко не так известна, как ее главная конкурентка, Коко Шанель. Их методы работы и подход к моде отличались так сильно, как только возможно: Эльза любила эпатировать, работала с художниками-сюрреалистами и совсем не любила черный цвет и твид. Именно она ввела в моду shocking pink – яркую фуксию, шокирующий розовый, ставший ее визитной карточкой – в костюме именно этого цвета ее и похоронили. Вместе с Сальвадором Дали Эльза придумала и создала платье-лобстера, платье-скелет, а еще целую коллекцию шляпок: шляпу-баранью отбивную, шляпу-туфлю, шляпу-телескоп… Говорить об этой женщине, полной идей и энергии, без восторга мы не можем – обязательно прочитайте ее вдохновляющую автобиографию «Моя шокирующая жизнь»!

Как зарегистрироваться и пройти Культурный марафон на Яндекс.Учебнике?

• Педагог. Заполните данные в форме регистрации. После регистрации будут доступны ссылки для прохождения тестов, которые можно передавать ученикам.
• Родитель. Заполните данные в форме регистрации. После регистрации можно добавить детей в личном кабинете.
• Ученик. Можно зарегистрироваться по специальной ссылке от педагога. Зарегистрировать вас также может ответственный взрослый в своём личном кабинете. Для этого надо ответить на несколько вопросов и войти в аккаунт Яндекс, далее выбрать сложность теста, чтобы приступить к заданиям.

Тест разделяется на три возрастные категории по сложности:

1. 7-9 лет
2. 10-13 лет
3. 14+ лет

Кроме Культурного марафона программа включает несколько проектов-спутников по теме марафона (будут доступны позже, после того, как вы пройдёте интерактивный тест Культурного марафона — 2022).

• Мастер-класс с разработчиком. Создайте свой уникальный аватар в Роблокс
• Особый повод. Соберите датасет нарядной одежды
• Уроки моды. История, культура и технологии
• Конкурс «Винтажный look». Придумайте новые образы на основе семейных фотографий

В 2022 году у участников Культурного марафона есть шанс выиграть ценные призы:

• Яндекс Станция Лайт. Яркая и компактная умная колонка, которая управляется голосом и сенсорными кнопками
• Подписка Плюс Мульти. Доступ к фильмам и сериалам на Кинопоиске, музыке и подкастам на Яндекс Музыке
• Виртуальная вечеринка в Роблокс. Уникальное мероприятие в виртуальном офисе Яндекса

Результаты розыгрыша будут объявлены до 20 декабря 2022 года.

Пако Рабан

Пако Рабан в 60-х совершил в моде настоящую революцию – на этот раз технологическую. Его коллекция, состоящая всего из 12 нарядов и представленная в Париже в 1966 году, произвела настоящий фурор – он создавал наряды из современных материалов: пластика, металла, перьев и металлических сеток, бумаги, сухих цветов. Его работы полностью отражали дух космической эры, моды на футуризм и фантазии о техногенном будущем. Возможно, к использованию совсем не «модных» и не применяемых в моде материалов Пако Рабана подтолкнуло его образование архитектора – хотя по специальности он ни дня так и не проработал.