Кносская вуаль
Кносская вуаль — что-то среднее между греческой тогой и сари. Это была шелковая шаль с печатью в технике, используемой для кимоно.
Вуаль можно было носить различными способами. Как объясняет Мария дель Мар Николас в документе Музея костюма, кносская вуаль обязана своим названием геометрическим мотивам критского искусства Кносского дворца, который раскапывался как раз в 1906 году, когда Фортуни с женой Генриеттой совершил поездку в Грецию. Его одежда в тот период творчества была тесно связана с танцем: первым публичным появлением Кносса стал первый балет театра графини Беарн (1906).
Год спустя танцовщица Рут Сен Денис наденет кносскую вуаль на спектакль в Берлине и это стало мировой сенсацией.
Платье Delphos
Это самая известная и бессмертная работа Фортуни. Даже те, кто никогда не слышал фамилию дизайнера, видели эту модель в десятках фильмов о 30–40-х гг.
Это платье, вдохновленное ионическими хитоном, названо в честь Дельфийского хариотера. Посмотрите на плиссировку — это же гениально!
И хотя плиссировку изобрели в Древнем Египте, Мариано Фортуни сделал гениальный микс: фасон платья связан с древнегреческими статуями. До сих пор никто не смог повторить эту технологию плиссировки точь-в-точь.
Delphos кажется простым, но это только видимость. Оно обязательно сопровождалось муранскими стеклянными бусинами, которые «двигали» ткань. Иногда это также была шелковая лента, которая работала как пояс. Фортуни запатентовал свою систему плиссировки в июне 1909 года, а в ноябре того же года зарегистрировал платье Дельфос в Париже. В своем патенте он описал также рукава «летучая мышь». Наиболее распространенным вырезом была лодочка, хотя были модели с V-образной формой, но неизменной была длина до земли. Платья продавались свернутыми в шар, чтобы сохранить складки плиссировки нетронутыми.
Главный герой музеев, коллекционеров и выставок
Через два года после смерти Мариано Генриетта выставила на продажу то, что было на складе и в магазине дворца Орфей. Она также начала дарить работы и коллекции, которые в конечном итоге будут разбросаны по итальянским и испанским музеям, такими как Прадо. Гильермо де Осма говорит, что по желанию самого Фортуни его вдова предложила Орфей испанскому правительству в 1953 году в подарок, который министр иностранных дел отклонил много лет спустя, сославшись на экономические причины.
Затем Генриетта предложила его городскому совету Венеции при условии, что он станет культурным центром. Сегодня Орфей более известен как дворец Фортуни в Венеции. Это действующий дом-музей, в котором хранится огромное наследие Мариано, включая его ценную библиотеку.
И тут началась борьба за имя и память о великом дизайнере. «Те, кто помнит Фортуни, давно купили свои платья. Теперь они будут храниться на каком-то чердаке», — пишет де Осма.
Хотя Мариано был известен в Европе, именно работа Элси Ли, графини Гоцци, сделала его известным в Северной Америке. Разница между европейскими и североамериканскими музеями была значительной: если MET в Нью-Йорке собрал при жизни Мариано различные версии Delphos, пожертвованные еще в 1946 году (в том же году, когда был создан Институт костюма), де Осма объясняет, что только в середине 1960-х годов европейские учреждения начали приобретать его работы.
Важно упомянуть, что в середине 20 века надеть платье Дельфос могла женщина без комплексов и предрассудков. По этой причине женщины, которые носили вещи Фортуни, часто были танцовщицами, актрисами, содержанками
Например, музей MET сохраняет дизайн, который был подарком от актрисы Лилиан Гиш, а также широкий образец тканей от самой Элси Ли. В Музее Виктории и Альберта в Лондоне есть хорошая коллекция платьев Delphos, принадлежавшая актрисе Элеоноре Дузе, а во Дворце Гальера вы можете найти платье культовой театральной актрисы Эллен Терри.
В начале 1960-х годов появилось второе поколение женщин, которые поклонялись дизайну Фортуни. В то время появились первые коллекционеры, такие как Лизелотт Хёс, жена последнего адвоката Генриетты: ее платья составляют основную часть обширной коллекции Фортуни, которая сегодня принадлежит Музей костюмов Мадрида. Министерство культуры Испании получило коллекцию в 2003 году, причём она была приобретена холдингом Inditex (Zara, Massimo Dutti, Stradivarius, Uterque и т.д.) в качестве уплаты налогов.
В Соединенных Штатах знамениты коллекции Уны Чаплин или Глории Вандербильт, чьим платьям Delphos Vogue посвятил целый отчет в декабре 1969 года. Сама Вандербильт вспомнила, что увидела их именно в том магазине, которым владела Элси Ли на Мэдисон-авеню. «Носить эти платья — значит чувствовать, будто ты внутри другой кожи…Они такие мягкие, чувственные и вкусные… Это как чувствовать себя лучшей версией себя… чувствовать себя женственной», — описала она. Еще одним из заядлых коллекционеров была модель и дизайнер Тина Чоу. В 1993 году, через год после смерти от СПИДа, на аукционе Christie’s выставили её коллекцию платьев Фортуни. Звездой аукциона стало бархатное платье Фортуни 1930-х годов, которое было продано за 30 000 долларов — это абсолютный рекорд.
Эти цены отражают бум популярности Фортуни в это время. Вот что писала New York Times в 1996 году: «Впечатляющее возрождение интереса к тканям Fortuny было одной из самых удивительных модных тенденций в последние годы». Большая выставка с его работами уже была организована в Лос-Анджелесе в 1960-х годах. А в 1980 году в Лионе началось огромное мировое турне, которое вызвало стремительный интерес в течение десятилетия. Выставка Фортуни путешествовала по Франции, Великобритании и Северной Америке. Эта лихорадка привела к хорошим продажам: «После этого мы получили так много заказов, что нам даже пришлось отказывать многим желающим», — пишет Times.
С тех пор выставки Фортуни не прекращаются. Самая крупная из последних прошла в Музее костюмов в 2010 году. Сам бренд уже сотрудничал с двумя самыми замечательными выставками последних лет, которые проходили в Эрмитаже в 2016 году (Мариано Фортуни, волшебник Венеции) и во Дворце Гальера в период с 2017 по 2018 год (Фортуни, испанец в Париже).
Жизнь
Фортуни родился 11 мая 1871 года в артистической семье в г. Гранада, Испания. Его отец художник-жанрист, умер, когда Фортуни было три года, а его мать, Сесилия, переехал с семьей в Париж, Франция. Уже в юном возрасте стало очевидно, что Фортуни был одаренным художником, проявляя талант к живописи, а также страсть к текстилю. В детстве он познакомился со множеством различных тканей и тканей, что сильно повлияло на его творчество. Его родители были увлечены материалами и имели свои собственные коллекции тканей из различных магазинов, которые они посетили в Европе. Его отец также коллекционировал металлические изделия и доспехи из прошлых веков в качестве хобби. В детстве он был очарован всеми этими тканями и красил куски материала для развлечения. Именно это воздействие привело его к разработке и производству собственных тканей и платьев. Семья снова переехала в 1889 году в Венеция, Италия. В молодости Фортуни путешествовал по Европе в поисках художников, которыми он восхищался, в том числе немецкого композитора. Рихард Вагнер. Фортуни стал весьма разнообразным в своих талантах, некоторые из них включают изобретать, картина, фотография, лепка, архитектура, травление и театральные сценическое освещение. В 1897 году он встретил женщину, на которой женился, Генриетта Негрин, в Париже. Находясь в Париже, Фортуни зарегистрировал и запатентовал более 20 изобретений в период с 1901 по 1934 год.
Он умер в своем доме в Венеции и был похоронен в Кампо Верано в Рим. Его творчество было источником вдохновения для французского писателя. Марсель Пруст.
МАРИАНО ФОРТУНИ. СТИЛЬ ВНЕ ВРЕМЕНИ. часть 1: плиссировка: la_gatta_ciara
Имя Фортуни, конечно, связано не только с 20-ми годами, но на то время пришелся самый пик его популярности.Очень не хочется повторять здесь всем известную информацию о Фортуни, но вдруг, кто не знает? Поэтому, копирую из Википедии:
«Сын известного художника-ориенталиста Мариано Фортуни-е-Марселя (1838—1874). Остался без отца в трёхлетнем возрасте, в детстве жил с матерью в Париже и Венеции, много путешествовал по Европе, был подающим надежды художником, скульптором, архитектором, фотографом, но предпочёл стать дизайнером. В 1897 году женился на Анриэтте Негрин.
В конце 1890-х Фортуни увлекся набойкой тканей и создал коллекции парчи, бархата и гобеленов в венецианской технике XIV—XV веков, а в 1901 году представил сшитые из этих материалов модели в Париже.
Немного позднее он запатентовал способ плиссировки шёлка, которая с тех пор носит название «плиссировка Фортуни»».
Википедия правильно указывает на две важные вещи в творчестве Фортуни, как дизайнера одежды: плиссированные платья «Delphos» (платья — хитоны в греческом стиле) и набивной бархат.Плиссированные платья были придуманы им в 1907 году, а в 1909 — запатентованы. Художник не считал себя модным дизайнером, ему было интересно работать с тканью, формой, цветом и фактурами. Тем не менее, его платья были невероятно популярными.
Изначально, «дельфосы» носили дома – в качестве чайного платья. Напомню, что начало ХХ века – это корсеты и сложные силуэты, а модели Фортуни категорически исключают корсет. Но, как раз, чайное платье позволяло дома ходить в удобном и красивом наряде.
Разумеется, первым популяризатором этого платья была жена и муза дизайнера.
Но потом, его полюбили многие женщины. Самые известные клиентки Фортуни — актрисы: Сара Бернар, Айседора Дункан и Наташа Рамбова. Они стали появляться в подобных нарядах на публике, с тех пор, платье-дельфос от Фортуни стало ассоциироваться с артистичной женщиной, независящей от чужого мнения. А еще позже — стало модно и престижно обязательно иметь в гардеробе подобное платье.
Айседора Дункан и Сергей Есенин
Наташа Рамбова
Лилиан Гиш
Метод его плиссировки с одной стороны – понятен, но, с другой стороны, неповторим. Есть версия, которая мне кажется сомнительной, что вручную шелк сметывали в мелкие складочки, обрабатывали специальным составом, а потом прогоняли через горячие фарфоровые валики. Но добиться такого же результата, как у Фортуни, в наше время не смог никто.
Для подобного платья брали в 5 раз больше шелка, ведь плиссировка сжимает объем ткани. Для утяжеления края и подола Фортуни нашивал бусины из муранского стекла
Помимо плиссировки и подражания античным образцам меня в этих платьях восхищает их цвет.
В то время уже использовались анилиновые красители. Фортуни же красил свои шелка вручную и только с помощью натуральных красок.
На первый взгляд кажется, что такие платья сделать просто. Но на самом деле, качество работы Фортуни заключается в неповторимости: для каждой клиентки специально создавался новый оттенок. Учитывалось и то, как движение и свет влияют на цвет.
Одним из его источников вдохновения был венецианский художник Карпаччо.
Вертикальная плиссировка делала ткани похожими на современный трикотаж: они становились эластичными и легко, словно струи водопада, стекали по женской фигуре, повторяя все её изгибы.
Как все просто и вместе с тем – восхитительно красиво! Такие платья хранились и продавались в скрученном состоянии в коробке, напоминающей шляпную.
«Дельфосы» не стирали, а если нужно было почистить – возвращали в мастерскую Фортуни, где их приводили в порядок и даже реставрировали складки.
Именно такой вариант одежды «от Фортуни» использовали художники по костюмам в фильмах «Крылья голубки» и «Возвращение в Брайдсхед», чтобы подчеркнуть в них независимость и артистическую склонность.
«Крылья голубки»
Возвращение в Брайдсхед»
Его платья вне времени, потому что имеют свой стиль.
Наталья Водянова на вечеринке
Известная модель и коллекционер винтажной одежды от кутюр Татьяна Сорокко
Во второй части я немного расскажу о набивных тканях Фортуни.
Биография
Мариано Фортуни (полное имя Мариано Фортуни-и-Мадрасо) родился 11 мая 1871 года в Гранаде, Испания. Он был человеком, посвятившим свою жизнь искусству и прославившимся во всем мире своими тканями в стиле модерн, которые украшали лучшие музеи, церкви, дворцы и дома с 1906 года. Фортуни был опытным дизайнером-новатором, архитектором, изобретателем, кутюрье и светотехником. Его отец, Мариано Фортуни-и-Марсал, также был художником и коллекционером древних восточных тканей и ковров, редких гончарных изделий и металлического оружия.
Фотографии Мариано Фортуни
Мальчик лишился отца в 1874 году, поэтому вместе со своим дядей переехал в Париж, где обучался живописи. В 1889 году он вместе с матерью переехал в Венецию и прожил там всю оставшуюся жизнь. Увлекаясь живописью, Фортуни также интересовался фотографией и сценографией. Под влиянием всех этих ремесел он научился контролировать все процессы в своих проектах. Например, для театра он создал новаторские техники освещения, изобрел свои собственные красители и ткани для декораций, а также машины для печати на ткани. В совокупности Фортуни получил более 20 патентов на свои изобретения.
Мариано Фортуни и Марсель Пруст
В своем романе В поисках утраченного времени Марсель Пруст неоднократно упоминает шёлковые туники Мариано Фортуни как образец тонкого и единичного вкуса
Пруст называет их одеждами, сшитыми по «старинным венецианским рисункам», обращая внимание на исторический характер этих платьев. Многие из работ Фортуни используют мотивы итальянского Ренессанса и находят прямые и косвенные аналоги в живописи итальянского (в том числе венецианского) Возрождения
Пруст также обращает внимание на уникальность каждого рисунка Фортуни, на его автономный характер и строение, видя в этой единичности изящество и смысловую тонкость костюмов Фортуни. Пруст говорит о значительности этих работ, считая их плодом долгих размышлений и рефлексий, а также обращает внимание на их сценический подтекст и оторванный от жизни характер. Пруст сравнивает систему Фортуни с костюмной точностью героинь Бальзака, указывая на очевидное сходство двух стратегий.
Инженер по свету
В 1892 году, увидев некоторые из Рихард Вагнер работал в Париже, Фортуни ездил в Байройт, Германия где Вагнер построил театр, специально предназначенный для постановки своих опер. Он был очарован работами Вагнера и начал писать сцены для своих опер, когда вернулся в Венецию. В вагнеровской драме картина, архитектура, песня, танцевать, и поэзия все работали вместе для достижения общей цели. Это повлияло на мировоззрение Фортуни и послужило источником вдохновения для создания совершенно нового типа театрального дизайна, в котором дизайнер и техник работали бы вместе над проектом от идеи до реализации. Фортуни и другие последователи этой концепции считали, что можно улучшить качество продукта, только хорошо разбираясь в сырье и процессе его изготовления. Он также считал, что лучший тип дизайна создается, когда художник знает, как воплотить его в жизнь, и контролирует все этапы творческого процесса.
Благодаря своему опыту с Вагнером и театром Фортуни стал инженер по свету, архитектор, изобретатель, режиссер и сценограф. Как художник-постановщик, он хотел создать более плавный способ перехода от одной сцены к другой, чем вылет фон и внесение нового. Он начал экспериментировать со светом и разными способами сделать это на чердаке своего палаццо в Италии. В ходе своих экспериментов он обнаружил, что отражение света от различных поверхностей может изменять цвет, интенсивность и другие свойства света. Его трактат 1904 года Eclairage Scenique («Сценическое освещение») описывает открытие, которое легло в основу его техники непрямого освещения. Он пришел к выводу, что «… не количество, а качество света делает вещи видимыми и позволяет зрачку … правильно открываться».
Он использовал эти методы непрямого освещения в своем новом изобретении, куполе циклорамы Фортуни, сооружении в форме четверти купола. штукатурка или ткань. Фортуни впервые подал патент на свою систему непрямого театрального освещения в 1901 году и после этого постоянно совершенствовал свое изобретение. Форма создавала вид более обширного неба, и Фортуни мог создать любой тип неба, который он хотел, отражая свет на него определенным образом. Он мог даже отражать облака на заднем плане, рисуя разные предметы на зеркалах, которые отражали свет на купол.
В течение 1920-х годов вклад Фортуни в театр получил широкое признание. После изучения и усовершенствования его купола, его использование становилось все более популярным во многих театрах Европы. Вскоре с ним заключили контракт на установку купола в знаменитом оперном театре Милана Ла Скала. Однако для этого проекта от него потребовалось внести некоторые изменения в купол, чтобы использовать его с максимальной отдачей. Театр был намного больше, чем его первоначальный купол, поэтому он увеличил размер, чтобы он мог позволить куполу полностью заполнить пространство сцены. Он также сделал так, что купол был «электрически управляемым и мог складываться и раскладываться, как гигантский аккордеон, за 90 секунд. Что еще более впечатляюще, он изобрел вытяжной вентилятор специально для этого проекта, который вытеснял воздух так, чтобы чтобы структура оставалась натянутой. С точки зрения публики это помогло глубине фона казаться почти бесконечной, как если бы вы смотрели на ночное небо, которое никогда не заканчивалось. После того, как были сделаны все адаптации и строительство было завершено, купол успешно открылся 7 января 1922 года с постановкой «Парсифаля».
Основываясь на той же концепции купола, Фортуни создал лампу, которую можно было использовать для воссоздания внутреннего освещения на сцене, Fortuny Moda Lamp. Первоначально предназначенный для использования в качестве сценической лампы и запатентованный в 1903 году, этот светильник остается популярным в качестве торшера.
Последние годы жизни
Уже в 1920-е годы Матисс приобрел всемирную известность: выставки проводили в Европе и США, его начинали узнавать. Примерно в то же время у Анри заболела жена и требовалась помощница, которая могла бы ухаживать за ней. На пороге их дома появилась Лидия Делекторская — русская эмигрантка, чья семья погибла во время гражданской войны.
Мадам Матисс нисколько не переживала, что молодая особа работала в их доме. С Лидией у них сложились прекрасные отношения: девушка была аккуратна, скромна, внимательно относилась к женщине. К тому же, светловолосая Лидия не была во вкусе Матисса — ему нравились невысокие брюнетки южной внешности. Долгое время он ее даже не замечал. Но однажды Лидия сидела рядом с кроватью Амели, сложив руки на спинке стула и облокотив голову, внимательно слушая ее. Матисс задержал на ней свой взор и попросил не двигаться. Он сделал пару зарисовок, после чего стал чаще писать ее портреты.
Лидия Делекторская
Портрет Лидии Делекторской
Жена была недовольна таким поворотом, хотя явной измены или проявления отношений между Матиссом и Делекторской не было. Но боялась Амели другого: раньше она была единственной его музой, источником вдохновения, его поддержкой. Теперь Матисс светился лишь рядом с Лидией. В скором времени брак между Амели и Анри распался, после чего Матисс провел с Делекторской более 20 лет. Она стала его секретарем и помощницей. Она ухаживала за ним во время болезни, смешивала краски, раскрашивала бумагу. Между ними никогда не было физической связи, их любовь была платонической и очень благотворной. «Каждый раз, когда я скучаю я сажусь за портрет госпожи Лидии — и тоски как не бывало» — говорил Матисс.
биография
Он является сыном художника-востоковеда Марии Фортуни и Сесилии де Мадрасо-и-Гаррета из семьи художников, отец последней был директором музея Прадо . Отец Мариано Фортуни умирает молодым, но завещает ему коллекцию редких предметов (африканское, доколумбовское искусство, различные ткани и т. Д.), Которые кутюрье будет использовать в своих работах, например, азулежу , узоры которых украшают его кносские шали.
В 1897 году он встретил в Париже Генриетту Негрин , на которой женился несколько лет спустя и чья роль как полноценного сотрудника была подчеркнута на выставке в Музее дю Пале Фортуни в Венеции. Примерно в 1899 году он создал в Венеции текстильную компанию, для которой сам разрабатывал выкройки. В истории моды его имя по-прежнему ассоциируется со складками, но он также является художником этого мотива, меняя вдохновение в тканях (коптский, византийский), украшениях (критский) или каллиграфии (куфический). Также используется прогрессивное окрашивание. Несмотря на свой статус кутюрье, он выбирает более простые формы одежды, такие как джеллаба или старинные тоги. В 1911 году он выставил шали и платья, отмеченные эллинизмом, в Музее декоративного искусства в Париже ; летописец Фигаро того времени писал: «Эта длинная марлевая гандура, отпечатанная серебряными поплавками, похожа на туман, призванный скрыть порог этого божественного логова. Фортуни — изобретатель этих золотых и серебряных принтов, которые он использует для вышивки, не утяжеляя ткань и не искажая складок » .
Он также интересуется гравюрой, фотографией и живописью ( «Меня всегда интересовало многое, но живопись была моей настоящей работой» ), он зарегистрировал несколько патентов на изобретения, касающиеся света. Любитель Рихарда Вагнера и оперы в целом, он действительно работает над сценическим освещением.
Писатель Марсель Пруст был вдохновлен работой Мариано Фортуни в «Тюрьме» (1923): «Это было на картине Карпаччо, которую взял блестящий сын Венеции, это было с плеч этого компаньона Кальцы, которого он развязался, чтобы бросить его на стольких парижанок » . Без каких-либо доказательств контакта между писателем и модельером, у обоих была общая знакомая Мария Хан де Мадрасо, сестра композитора Рейнальдо Хана , жена дяди Мариано Фортуни. В письме к последнему Марсель Пруст объясняет, что он мог бы дать лейтмотив своего исследования, связанного с Мариано Фортуни, спрашивая своего корреспондента, вдохновлялся ли художник картиной Витторе Карпаччо на создание платья, на что она отвечает в утвердительный.
Несколько известных женщин носили ее платья (иногда через несколько десятилетий после ее смерти), например, Глория Вандербильт , Лорен Хаттон или приемные дочери Айседоры Дункан .
Он ремонтирует частный театр графини Мартин-Мари-Поль де Бехаг , расположенный в Hôtel de Béhague (Париж); спектакль открывается29 марта 1906 г..
Сотрудничал с модным домом Babani .
В Париже с 1912 года он владел бутиком на 2 bis rue de Marignan , переехав в 1922 году на 67 rue Pierre-Charron . В Лондоне он открыл магазин в 1912 году 29 Maddox Street (в) и Бонд — стрит .
В октябрь 2017платье Мариано Фортуни, проданное на Sotheby’s, было продано за 8 500 евро, что значительно превышает первоначальную оценку.
Пикассо: дружба или конкуренция?
Познакомившись в парижском салоне Стайн, Матисс и Пикассо поняли, что никто другой не понимает так друг друга, как они. Матисс был старше Пикассо на двенадцать лет и к тому моменту его имя гремело на всю Францию. Испанский молодой художник был лишь в начале своего пути, плохо говорил по-французски и увидел в Матиссе соперника за звание главного художника современности.
Несмотря на разный подход в живописи — Пикассо был увлечен формой, а Матисс — цветом — каждый был способен подтолкнуть друг друга к неожиданному решению. И это неудивительно: их объединяло то, что искусство обоих выходило за рамки. Пикассо говорил: «Мы должны как можно больше общаться друг с другом. Когда кто-то из нас умрет, другой просто не сможет обсудить некоторые вопросы больше ни с кем». Они не только анализировали картины друг друга и дискутировали насчет преимуществ и недостатков, но и обменивались полотнами.
Инженер по свету
В 1892 году, увидев некоторые работы Рихарда Вагнера в Париже, Фортуни отправился в Байройт, Германия, где Вагнер построил театр, специально предназначенный для постановки его опер. Он был очарован творчеством Вагнера и, вернувшись в Венецию, начал писать сцены для своих опер. В вагнеровской драме, живописи , архитектуре , песне , танце и поэзиивсе работали вместе для достижения общей цели. Это повлияло на мировоззрение Фортуни и послужило источником вдохновения для совершенно нового типа театрального дизайна, в котором дизайнер и техник будут вместе работать над проектом от идеи до реализации. Фортуни и другие последователи этой концепции считали, что улучшить качество продукта можно, только хорошо зная его сырье и процесс его изготовления. Он также считал, что лучший тип дизайна был создан, когда художник знал, как реализовать дизайн, и контролировал все этапы творческого процесса.
Благодаря своему опыту работы с Вагнером и театром Фортуни стал инженером по свету , архитектором , изобретателем , режиссером и сценографом . Как художник по декорациям, он хотел создать более плавный способ перехода от одной сцены к другой, а не выбрасывать фон и вставлять новый. Он начал экспериментировать со светом и разными способами на чердаке своего палаццо в Италии. Своими экспериментами он обнаружил, что отражение света от разных поверхностей может изменить цвет, интенсивность и другие свойства света. Его трактат 1904 года Eclairage Scenique(«Сценическое освещение») описывает открытие, которое легло в основу его техники непрямого освещения. Он пришел к выводу, что «… не количество, а качество света делает вещи видимыми и позволяет зрачку … правильно открываться».
Он использовал эти методы непрямого освещения в своем новом изобретении, куполе циклорамы Фортуни, конструкции в форме четверти купола из гипса или ткани. Фортуни впервые подал патент на свою систему непрямого театрального освещения в 1901 году и с тех пор постоянно совершенствовал свое изобретение. Форма создавала вид более обширного неба, и Фортуни мог создать любой тип неба, который он хотел, отражая свет на него определенным образом. Он даже мог отражать облака на заднем плане, рисуя разные вещи на зеркалах, которые отражали свет на купол.
В 1920-е годы вклад Фортуни в театр получил широкое признание. После изучения и усовершенствования его купола его использование стало более популярным во многих театрах Европы. Вскоре он получил контракт на установку своего купола в знаменитом оперном театре Ла Скала в Милане. Однако для этого проекта ему потребовалось внести некоторые изменения, чтобы купол можно было использовать с максимальным потенциалом. Театр был намного больше, чем его первоначальный купол, поэтому он увеличил размер, чтобы купол мог полностью заполнить пространство сцены. Он также сделал так, чтобы купол управлялся «электрически» и мог складываться и раскладываться, как гигантская гармошка, за 90 секунд. Что еще более впечатляюще, он изобрел специально для этого проекта всасывающий вентилятор, который выталкивал воздух так, чтобы для поддержания конструкции в натянутом состоянии. С точки зрения зрителей это помогало глубине фона казаться почти бесконечной, как если бы вы смотрели на ночное небо, которое никогда не заканчивалось. После того, как все приспособления были сделаны и строительство было завершено, купол успешно открылся 7 января 1922 года постановкой « Парсифаль» .
Исходя из той же концепции купола, Фортуни создал лампу, которую можно было использовать для воссоздания внутреннего освещения на сцене, — лампу Fortuny Moda Lamp. Хотя этот светильник изначально предназначался для использования в качестве сценического светильника и был запатентован в 1903 году, он по-прежнему популярен в качестве торшера.
Модельер
Вид на Палаццо Фортуни в Венеции, где жил и работал Мариано Фортуни
Достижения, которыми Фортуни наиболее известен, были достигнуты в области дизайна одежды. Его жена Генриетта Негрин был опытным портным, который помогал создавать многие из его моделей. С 1902 года они жили в Палаццо Пезаро Орфей в Венеции,:49 которую Фортуни заполнил произведениями искусства своих отец, искусство, которое коллекционировал его отец, и другие произведения искусства и артефакты, которые его вдохновляли. Он назвал палаццо своим «мозговым центром», где у него было множество комнат для экспериментов и изобретений, а также комнат для вдохновения. В своем дизайне одежды Фортуни черпал вдохновение в легкой, воздушной одежде. Греческий женщины, которые цеплялись за тело и подчеркивали естественные изгибы и формы женского тела.[нужна цитата ]
Фортуни восстал против линий стиля, которые были популярны в то время, и они с Генриеттой создали Платье Delphos, платье прямого кроя из тонко сложенного шелка, утяжеляемого стеклянными бусинами, которые сохраняли его форму и струились по телу. В плиссировка все, что он использовал, было сделано вручную, и никто не смог воссоздать плиссировку, которая была бы такой прекрасной, как его[нужна цитата ] или уже много лет сохраняет свою форму, как его платья. Он также производил свои собственные красители и пигменты для своих тканей, используя древние методы. Этими красителями он начал печатать на бархате и шелке и красил их с помощью изобретенного им пресса с деревянными блоками, на которых он гравировал узор. Его платья сегодня считаются прекрасными произведениями искусства, и многие из них сохранились в музеях и личных коллекциях, все еще со складками.
В Париже одежду Fortuny продавали в розницу Бабани, который продавал актрисе платья и другую одежду Delphos. Элеонора Дузе.
В 2012 г. Испанский институт королевы Софии в Нью-Йорке открылась выставка его работ.
Его клиентами были Элизабет, графиня Греффуль и ее дочь Элен Греффуль, Элеонора Дузе, Эллен Терри и Уна О’Нил.
Биография
Сын известного художника-ориенталиста Мариано Фортуни и Сесилии де Мадрасо. Остался без отца в трёхлетнем возрасте, в детстве жил с матерью в Париже и Венеции, много путешествовал по Европе, был подающим надежды художником, скульптором, архитектором, фотографом, но предпочёл стать дизайнером. В 1897 году женился на Анриэтте Негрин.
Известен как модельер, дизайнер, театральный художник и изобретатель. Занимался изготовлением шёлка — производил его на специально открытой для этих целей в 1919 году фабрике на острове Джудекка в Венеции. Создавал абажуры для светильников из шёлка собственного производства. Эти объекты до сих пор считаются маркером Фортуни благодаря узнаваемому опаловому цвету абажуров, узорам и шёлковым шнурам с кистями и стеклянными бусинами. Производство оригинальных ламп закончилось в конце 1920-х. До начала 1980-х, когда стали появляться первые реплики, ни одна из венецианских мастерских не решалась повторить «Фортуни» — из-за технической сложности и проблем с патентами.
Умер в своем доме в Венеции в 1949 году, похоронен в Риме на кладбище Кампо Верано.
Жизнь Мариано Фортуни описана в романе Пере Жимферрера «Фортуни».
