Введение
В течение 20 века мода менялась очень стремительно. То, что когда-то было достоянием привилегированного меньшинства, постепенно становилось всеобщим изобилующим благом. Издавна оберегаемые традиции ручной работы с их медленными, требующими безграничного терпения процессами создания изделия, отчуждавшие долгие годы моду от жаждущих масс, постепенно вытесняются большими мануфактурами и простыми производственными операциями. «Мода» начинает массово сходить с линий бесчисленных фабрик, рабочая сила отрасли насчитывает сотни тысяч человек по всему миру. Модная индустрия становится одной из самых значимых отраслей народного хозяйства. Она перестает быть «насильственной», и более не диктуется сверху представителями высших слоев общества (а до начала 20 века было именно так – знать определяла моду, после чего она «спускалась» ниже, но все равно была доступна далеко не всем), что, конечно же, получает безграничный позитивный общественный резонанс. Эдвардианское время было последней эпохой, когда моду учреждал высший свет.
Прекрасная эпоха – время роскоши
Дом моды Redfern Galerie de vente, Париж 1910
В 1900-х г.г., если вы являлись изысканной молодой английской дамой, принадлежащей к элите общества, вам полагалось дважды в год совершать паломничество в Париж вместе с другими такими же женщинами из Нью-Йорка или Санкт-Петербурга.
В марте и сентябре можно было заметить группы женщин, посещающих студии на rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix , rue Taitbout и Вандомской площади.
В этих, часто тесных магазинчиках, с лихорадочно работающими в задних комнатах швеями они встречались со своим личным продавцом, которая помогала им выбрать гардероб на следующий сезон.
Эта женщина была их союзником и знала все самые темные секреты их жизни как личные, так и финансовые! Выживание таких ранних домов моды всецело зависело от их могущественных клиенток, а знание их маленьких секретов помогало им в этом!
Дом моды Worth Salon-de Vente -1910 г
Вооруженные копиями «Les Modes», они просматривали последние творения великих кутюрье, таких как Пуаре, Ворт, сестры Калло, Жанна Пакен, Мадлен Шерюи и других, чтобы придумать гардероб, который бы затмил гардеробы не только друзей, но и врагов!
Прошли десятилетия, и эти ужасные журнальные изображения статичных женщин, где виден каждый шов и каждый стежок, были вытеснены более свободным и плавным стилем «Ар Нуво», где использовались новые фотографичные методы изображения.
Вместе с продавцом женщины выбирали гардероб на следующие шесть месяцев: нижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра. Список можно продолжать бесконечно, здесь все зависело от размера вашего кошелька!
Австрия. «Венские мастерские»
В Вене ещё в 1903 году появилась организация-прообраз «Веркбунда» «Венские мастерские» — объединение архитекторов, художников, ремесленников и коммерсантов. Их целью было «поощрение и координация сотрудничества промышленников, художников и торговцев для успешного производства и сбыта изделий художественных ремёсел». Пора расцвета мастерских пришлась на 1905–1910 годы, но они продолжали успешно работать на протяжении 1910-х.
В 1913 году «Венские мастерские» были реорганизованы в подразделение «Веркбунда». Принципиальным отличием «Венских мастерских» от «Веркбунда» было количество создаваемых изделий: в мастерских все работы выполняли в единственном экземпляре.
Руководитель и основатель мастерских Йозеф Хофманн стал основателем и австрийского «Веркбунда». Хофманн во многом продолжил начатую в 1900-е линию рационального модерна — отхода от витиеватых цветочных орнаментов в сторону сдержанности и лаконичности. Его дизайн постепенно становился более строгим и абстрактным, творчество всё больше ограничивалось функциональными конструкциями и бытовыми изделиями. Постоянное использование в композиции квадратов и кубов привело к тому, что к дизайнеру приклеилось прозвище «квадратный Хофманн».
Кресло кубической формы Йозефа Хофманна, 1910 год. Фото: Wikimedia Commons
Несмотря на успешную деятельность, в Австрии веркбундовцы подвергались критике со стороны коллег. Например, в 1913 году вышла злая статья венского архитектора Адольфа Лооса «Орнамент и преступление». Он выступал против «орнаментализма, фасадничества и внешней декоративности», в своих взглядах был радикальнее Хофманна.
«Русские Сезоны» 1909 г. – Ветер Перемен
К 1900 г. Париж был мировой столицей моды, а дома моды Worth, Callot Soeurs, Doucet и Paquin входили в список лидирующих имен. Высокая мода или от-кутюр — так называлось предприятие, использующее самые дорогие ткани для продажи их влиятельной элите Парижа, Лондона и Нью-Йорка. Однако стиль оставался прежним – линии Ампир и стиль Директории – высокая талия и прямые линии, пастельные краски, такие как зеленоватый цвет нильской воды, бледно-розовый и небесно-голубой, напоминающие чайные наряды и вечерние платья элиты общества.
Пришло время перемен. Этому предшествовали следующие события: влияние стиля «Ар Деко», возникшего из модернистского движения; наступление «Русских Сезонов», впервые прошедших в 1906 г. в форме выставки, организованной их основателем Сергеем Дягилевым, феноменальные выступления Русского Императорского Балета 1909 г. с их роскошными костюмами, навеянными востоком и созданные Леоном Бакстом.
Шаровары танцора Нижинского вызвали огромное удивление среди женщин, а мастер оппортунизма Поль Пуаре, рассмотрев их потенциал, создал гаремную юбку, которая на некоторое время стала очень популярной среди молодежи из британского высшего класса. Пуаре, возможно, под влиянием иллюстраций Бакста 1906 г. почувствовал необходимость в создании более выразительных иллюстраций для своих творений, в результате чего он привлек неизвестного тогда иллюстратора Поля Ирибо, работающего в стиле «Ар Нуво», для иллюстрирования своей работы «Платья Поля Пуаре» в 1908 г. Невозможно переоценить то влияние, которое эта работа оказала на возникновение моды и искусства. После этого два этих великих мастера работали вместе в течение двух десятилетий.
Глава III. Мужской стиль одежды Эдвардианского периода
серьезно относился к своему гардеробуМы должны быть признательныЭдуардуза несколько базовых элементов мужского гардероба: например, виндзорский узел на галстуке был назван в его честь, а не в честь герцога Виндзорского. Он первым стал носить брюки со стрелками, и считается, что именно он ввел в обиход рубашки с воротником-стойкой. Традиция не застегивать нижнюю пуговицу мужского пиджака также связана с ним: уЭдуардабыла внушительная фигура. Позднее стильЭдуардавдохновил молодых людей 1950-х, прозванных Teddy Boys (первая молодежная субкультура, появившаяся под влиянием американского рок-н-ролла. — Прим. пер.). Тедди-бои одевались как денди эдвардианской эпохи: носили длинные драповые пиджаки (часто — светлых оттенков) с бархатными лацканами.
Франция. Зарождение ар-деко
В Париже, который на рубеже веков стал столицей мировой культуры, не было ни производственных объединений, ни их радикальной оппозиции. Здесь по-прежнему проходили богемные балеты Дягилева, творили Пикассо, Брак, Матисс и многие другие. С точки зрения дизайна революционные изменения происходили в моде. Именно на 1910-е пришёлся максимальный расцвет гениального модельера — Поля Пуаре, его можно считать основоположником стиля ар-деко.
Панталоны «Гарем» 1911 г. от Поля Пуаре, фото Анри Мануэля, около 1920 г. Фото: Public Domain
Вдохновляясь Японией, Китаем и древней Элладой, Пуаре начал создавать принципиально новые образы: платья в виде туники, пеплоса, кимоно. Стоит отметить, что для первых двух десятилетий двадцатого века платье без корсета было не меньшим вызовом, чем живопись Пикассо. Модельер разработал специальную технику пошива одежды, известную как драпировка. Структура костюмов Пуаре была проста: как правило, прямоугольные детали были скроены по прямым линиям, но для пошива использовались роскошные ткани и богатая отделка.
Глава I. Исторические и социальные особенности становления моды Эдвардианского периода
СмертьКоролевы Викториив январе 1901 года и восшествие на престол её сына Эдуарда знаменовали конецВикторианской эпохи. В то время как Виктория избегала излишней публичности, Эдуард был лидером среди законодателей мод, находящихся под влиянием искусства и веяний континентальной Европы. Вероятно, этому способствовала любовь короля к путешествиям. В эдвардианский период часто включают и несколько лет после кончины короля Эдуарда в 1910 году, таким образом захватывая гибель «Титаника» в 1912-м и началоПервой мировой войныв 1914-м. При нём закончились мрачные времена беспутья 1890-х годов, вызванного эконмическим кризисом. При Эдуарде VII Англия недолго участвовала только в одной войне, поддерживала дружественные отношения с другими странами, что позволило укрепить экономику и сделать так, чтобы в государстве был достаток. Англия уступала первые места в экономике США и Германии, но оставалась мировым лидером в торговле, финансах и кораблестроении, имела сильные позиции в промышленном производстве. Элита Англии в это время охотнее предавалась удовольствиям, чем занималась предпринимательством.В домах появился электрический свет, ванные комнаты. Хотя Лондон уже не был тем мрачным городом, каким его описывал Диккенс, но тем не менее, в нём всё так же было много бедняков, низшие слои общества и жены бедняков всё так же оставались по сути бесправными. Пропасть между образом жизни среднего и низшего класса была разительна. Именно эта разница заставила ближе к 1910 году женщин и рабочих бороться за свои права.Когда мы говорим «Стиль времён Эдуарда VII», мы подразумеваем конечно же содержимое гардеробов элиты общества, а также состоятельных людей. Особенно требовательной мода того времени была к слабому полу.
Как создать образ в стиле 1900-х
В современной моде остаётся актуальным создание разнообразных образов в стилистике определённой эпохи. Такой облик позволяет подчеркнуть своё чувство стиля, индивидуальность, а также проявить фантазию.
При составлении вечернего комплекта отдайте предпочтение платьям длиной в пол, выполненных из броской ткани. Модели прямого или S-силуэта будут как нельзя кстати. Также подойдут варианты с небольшим шлейфом и зауженной юбкой.
Сделайте основной акцент на украшениях, декоре и аксессуарах. Это позволит максимально воссоздать образ 1900-х.
Обувь выбирайте удобную, на среднем или низком каблучке. Актуальными будут классические туфли, короткие сапоги или ботильоны.
Стилисты рекомендуют обратить внимание на цветовую гамму общего комплекта. Пастельные цвета, золотистые и серебристые оттенки приблизят вас к золотой эпохе прошлого века
Германия. «Веркбунд»
В 1906 году в Дрездене прошла выставка, на которой были представлены образцы современного дизайна и архитектуры, созданные совместно архитекторами-проектировщиками и мастерами-ремесленниками. Именно на этой выставке определился вектор развития дизайна в сторону функциональности и лаконичности.
В 1907-м году в Мюнхене, под влиянием дрезденской выставки, двенадцать представителей разных профессий, связанных с дизайном, основали объединение художников, архитекторов, мастеров художественных ремёсел, предпринимателей, промышленников и экспертов. Оно получило название «Немецкий Веркбунд».
Целью работы объединения стали «поддержка и развитие художественных ремёсел и нового промышленного искусства, призванного повысить качество массовой промышленной продукции». Участники «Немецкого Веркбунда» также стремились повышать вкус потребителя и создавать узнаваемый облик немецкого дизайна, который мог бы достойно конкурировать на мировом рынке.
Монограмма «Немецкого Веркбунда». Изображение: «Немецкий Веркбунд»
Сильное влияние на появление «Немецкого Веркбунда», а также его становление и развитие оказал британский опыт, в частности — движение «Искусства и ремёсла» Уильяма Морриса. Один из основателей «Веркбунда» Герман Мутезиус провёл немало времени в Великобритании, внимательно изучил устройство английского дома и в результате этого исследования в 1908 году выпустил в Германии книгу «Английский дом». Как ни странно, целью Мутезиуса был поиск дизайна в немецком духе по аналогии с английским.
Самыми активными членами «Немецкого Веркбунда» были талантливые многопрофильные художники, которые могли создавать любые предметы — от дверной ручки до дома. Таким был Петер Беренс, которого можно по праву считать одним из первых в мире промышленных дизайнеров. Для «всеобщей германской электрической компании» AEG Беренс проектировал как лампочки, чайники и вентиляторы, так и турбинные залы и целые архитектурные комплексы. Он также отвечал и за графический дизайн фирмы.
Несколько версий чайника Петера Беренса, около 1909 г. Фото: Wikimedia Commons
Петер Беренс, здание турбинного зала фабрики AEG в Берлине, 1908–1909 гг. Фото: Wikimedia Commons
Важным направлением работы «Веркбунда» была просветительская деятельность. Помимо общественных лекций и регулярных выставок, члены объединения организовывали учебные учреждения нового типа. Стоит выделить «экспериментальные художественно-промышленные мастерские» при школе искусств Великого герцога Саксонского в Веймаре, где архитектор Анри Ван де Вельде, один из основателей «Веркбунда», был художественным консультантом. Акцент при обучении ставился на познание природных свойств материалов и их максимального рационального использования.
Впоследствии в главном здании мастерских, законченном Ван де Вельде в 1911 году, Вальтер Гропиус основал Баухаус — первую и главную модернистскую школу двадцатых.
Великогерцогская Саксонская школа изящных искусств, Анри Ван де Вельде, строительство закончено в 1911 г. Фото: Wikimedia Commons
Уникальным учебным проектом «Немецкого Веркбунда» также стало утопическое поселение Хеллерау, которое в 1909 году в пригороде Дрездена основал Карл Шмидт — плотник, который развил своё дело до фабрики. В этом посёлке жили художники и рабочие, их уютные дома утопали в зелени — согласно концепции «города-сада». Жизнь в поселении объединяла работу, культуру и образование. С 1911 года там начал работу культурный центр с экспериментальной школой, в которой практиковались ритмика, гимнастика, пение, разные театральные практики.
На протяжении первых семи лет существования «Веркбунд» прекрасно справлялся с поставленными целями: совмещал творческие устремления и потребности массового промышленного производства, проводил международные выставки, публиковал каталоги продукции.
Пиком развития производственного союза можно считать предвоенную выставку в 1914 году в Кёльне. На ней экспонировалась серийная мебель, тиражные предметы домашнего обихода (даже мебель для спального вагона поезда) и архитектура, которая становилась главным медиа. Именно на этой выставке были представлены два направления, которые вскоре стали главенствующими для своего времени: экспрессионизм и функционализм.
Нидерланды. «Амстердамская школа» и «Де Стейл»
В Нидерландах в 1910-е главенствовали и противоборствовали экспрессионизм и функционализм. Экспрессионизм в Нидерландах был представлен «амстердамской школой». Она появилась в результате социальной реформы, ориентированной на массовое строительство доступного жилья, так что доминирующим медиа была архитектура. С эстетической точки зрения «амстердамская школа» испытывала влияние и Уильяма Морриса, его движения «Искусства и ремёсел» с идеей о необходимости преображения вещей повседневного пользования, и искусства Ост-Индии, и европейского модерна рубежа веков.
Представители «Амстердамской школы» рассматривали дизайн как средство передачи эмоций, поэтому композиционно здания представляют собой сочетания прямых, угловатых, закруглённых и органических форм. Строения школы, как правило, представляют собой комплексы зданий, каждое из которых выполнено в выразительных формах, с башнями, декоративными шпилями и богато декорированными окнами и дверями.
Важная характерная особенность облика зданий «Амстердамской школы» — виртуозная кирпичная кладка с разными сортами и типами плетения кирпича.
Комплекс зданий «Корабль» в Амстердаме, автор Мишель де Клерк, 1919 г. Фото: Janericloebe / Wikimedia Commons
Наглядный «манифест» «Амстердамской школы» — «Дом судоходства» в Амстердаме, выполненный совместно тремя архитекторами: Йоханом Ван дер Меем, Мишелем де Клерком и Питом Крамером. Внешне здание напоминает корабль, интерьер и фасад испещрены морскими мотивами, так как исторически одной из важнейших отраслей промышленности в Нидерландах было судоходство.
Здание судоходства в Амстердаме, построено Йоханом Ван дер Меем, Мишелем де Клерком и Питом Крамером в 1913–1916 гг. Фото: Janericloebe / Wikimedia Commons
Скульптуры при входе в здание судоходства в Амстердаме. Фото: Arjandb / Wikimedia Commons
С 1918 года «Амстердамская школа» стала выпускать журнал «Вендинген» (можно перевести как «переворот»). Типографика, которую Хендрикус Вийдевельд разработал для этого журнала, оказала широкое влияние на графический дизайн «Амстердамской школы», проявившись даже в вывесках зданий и почтовых ящиках. У этого издания был характерный облик — квадратный формат и особенный японский переплёт из нитей, это ярко контрастировало с другими газетами и журналами того времени.
Обложка первого номера журнала «Переворот», который выпускался с 1918 г. с участием представителей «Амстердамской школы». Изображение: Public Domain
Если «Амстердамская школа» была популярна внутри страны, то противоборствующая группа, которая выступала против орнаментальности и украшательства, имела международный успех. Этой группой было основанное в 1917 г. в Лейдене объединение «Де Стейл» («Стиль»). Его главным протагонистом был художник Тео ван Дуйсбург, а одним из ключевых участников — живописец Пит Мондриан.
«Де Стейл» вело активную деятельность по разным направлениям (от издания журнала до строительства зданий), создало собственную концепцию геометрического абстракционизма под названием «неопластицизм». Это утопии новой пластической культуры, создаваемой «первичными элементами»: линиями, геометрическими фигурами, основными цветами спектра.
Простота и вместе с тем яркость визуального языка неопластицистов оказали сильное влияние на развитие западноевропейского и американского модернизма в ХХ веке.
Женская одежда начала 20-го века
Мода 1900-х мало отличается от предыдущей эпохи. Значительное влияние 19-го века продолжалось почти десятилетие. От женщин требовалось придерживаться определенного дресс-кода, и надевать соответствующую одежду. В обязательном порядке девушки носили нижнюю рубашку из натуральной ткани, узкий корсет и длинное платье.
История моды и стиля того времени выделяет фасон в виде песочных часов. Платья и пальто характеризует подчёркивание талии с помощью корсетов и поясов. Но основной задачей дизайнеров считалось акцентирование внимания на дорогостоящих тканях и пышной отделке.
Вечерние вещи создавались из шифона, шелка, кружева, сатина. Зимний гардероб – из бархата, натуральной шерсти и меха. Для повседневной одежды использовали хлопок и лен темных или бледных расцветок.
Стиль модерн остаётся так же популярным, особенно это видно в модных платьях. Главной чертой является S-образный силуэт, который создавали на основе удлиненного корсета. Но такой фасон был крайне неудобным, поэтому девушки стремились отказаться от подобного наряда.
Это способствовало появлению мягких корсетов, а вскоре и полный отказ от данного элемента гардероба. Поль Пуаре стал первым дизайнером, разработавшим одежду, которая не требует корсета. Предложенные им модели отличались завышенной талией и акцентированием линии плеч.
Именно это новшество оказало наибольшее влияние на моду 1900-х и последующих годов. Искусственный силуэт, который ранее создавался корсетом, уступил место естественным женским формам. Новые платья исполнялись из легких, струящихся тканей, подчеркивающих изгибы тела.
Из стилевых направлений набирали популярность восточные костюмы. Эстетика далеких стран вдохновляла большинство дизайнеров и художников. Стиль нашел отражение в гардеробе модниц в виде пестрых аксессуаров, персидской вышивки, тюрбанов, широких брюк и зауженных юбок. Одежда также имела большое количество отделки и броские детали.
Шляпки Лили Элси
В дальнейшем Люсиль продолжала создавать костюмы для Элси, но при этом всегда делала акцент на шляпе. На сохранившихся фотографиях и открытках Лили Элси можно увидеть в разных шляпах, отличающихся своей оригинальностью и красотой. Шляпы украшались перьями страуса и других птиц, цветами и лентами.
Во время Эдвардианской эпохи облик модной дамы представлял собой роскошное зрелище – огромные шляпы, длинные юбки (это время было последним десятилетием, когда женщины носили юбки в пол), обилие ленточек, кружева, вышивки, оборок, бисера, драгоценностей и прочих декоративных элементов. И все это мы можем увидеть благодаря Лили Элси, то есть ее фотографиям.
Люсиль стала сотрудничать с театрами, ее завалили и частными заказами, все дамы захотели такие же шляпы и платья, как у «Веселой вдовы». Дела модельера шли успешно, и в 1912 году Люсиль отправилась с мужем в Нью-Йорк, чтобы открыть и там филиалы Lucile Ltd. Плыли они на «Титанике»… Однако им удалось спастись, за что впоследствии пришлось отвечать перед судом как виноватым в том, что в шлюпке на 40 человек оказалось чуть больше десяти…
А у Лили Элси в это время не было недостатка в поклонниках, их было множество. Даже уже в те времена, когда началась Первая мировая война, каждый британский солдат любовался ее портретом, а для некоторых из них застенчивая улыбка и ласковый взгляд печальных глаз остался последним женским взглядом в его жизни.
Однако, имея огромную армию поклонников, Лили выбрала майора Джона Яна Баллоха (John Ian Bullough), сына богатого текстильного магната. Брак оказался неудачным. После замужества Лили Элси неоднократно покидала театр, и снова возвращалась, и каждый раз успех сопутствовал ей. Разногласия с мужем обострялись, и в 1930 году они окончательно расстались.
Лили Элси часто болела, в 1930 году болезни обострились, и она много времени проводила в швейцарских санаториях. Свою сценическую деятельность Элси закончила, когда ей было 42 – 43 года. Последние годы когда-то известная актриса провела в госпитале Св. Эндрю в Лондоне, где ее никто не знал, и это ее радовало. Здесь Лили Элси умерла 16 декабря 1962 года. Согласно записям, причиной ее смерти была бронхопневмония. Ей было 76 лет.
Корреспондент американской газеты Atlanta Constitution в 1915 году писал: «Ее лицо в профиль ближе к образу Венеры Милосской, чем лицо любой другой известной красавицы… Если бы она приехала в Америку, безусловно, она стала бы самой красивой женщиной Америки».
II.II Основные составляющие гардероба Эдвардианской дамы
Знатные модные дамы посещали Париж два раза в год, закупая себе наряды на следующие шесть месяцевнижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра. Список можно продолжать бесконечно, ведь его продолжительность напрямую зависела от благосостояния особы. Нательный гардероб состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки. Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол. Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет. К ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов. К 5 часам вечера можно было снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей. К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет. В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки.эдвардианский период были вычурными и вызывающими
Характерная обувь и аксессуары
Любимой обувью девушек были туфли на низком каблуке, имеющим форму рюмки. Декорировали обувь бантами, пряжками или небольшими пуговицами. В дополнение туфлям носили чулки, которые различались по цвету и декору, для вечернего и дневного комплекта соответственно.
Важным аксессуаром стала женская сумочка. Если в начале столетия оставалась популярной непрактичная бархатная модель, небольших размеров, то уже через несколько лет сумочка увеличилась в размерах. Это сделало её неотъемлемой деталью образа.
Основным аксессуаром эпохи специалисты считают шляпу. Она имела широкие поля, богато украшалась перьями, лентами и бисером. Каждая модница была обязана иметь такую шляпу.
Гардероб дамы эдвардианского периода (1901-1910 г)
Начнем с нательного гардероба. Он состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки.
Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол.
Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет.
Возвращаясь к ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов.
К 5 часам вечера можно было, что с облегчением и делалось, снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей.
К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет.
К 1910 г. такие платья стали претерпевать изменения под влиянием работ Поля Пуаре, чьи атласные и шелковые наряды, навеянные восточными мотивами, стали очень популярны среди элиты. Большим хитом 1910 г. в Лондоне стали дамские шаровары в качестве костюмированного вечернего наряда!
В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки. Нелегко было быть женщиной эдвардианского периода!
