Что такое роскошь?
Что такое роскошь? Как она влияет на нашу жизнь? Размышлениям об этом феномене посвящена одноименная выставка в Музее Виктории и Альберта. 100 уникальных объектов экспозиции провоцируют наши стереотипы восприятия роскоши – в физическом, концептуальном и культурном аспектах.
Впрочем, некоторые категории роскоши не нуждаются в переоценке. Время, например. О наших взаимоотношениях с этой ускользающей бесценной материей напоминает работа «Время для тебя» – часы без циферблата.
Какой будет роскошь в будущем? Американский художник Габриэль Барсиа-Коломбо предполагает, что обладание образцами ДНК может стать роскошью, которую очень немногие смогут себе позволить. Свою мысль он подкрепляет работой «DNA Vending Machine» – торговым автоматом, заполненным вместо банок с колой образцами ДНК.
По словам кураторов, выставкой «Что такое роскошь?» они хотят поставить под сомнение саму идею роскоши сегодня, оспорить общепринятые представления о ней, помочь увидеть роскошь в повседневных вещах, расширитьнаше представление о том, какой вообще может быть роскошь. А вообще понятие роскоши у каждого свое. Сугубо индивидуальное.
What is luxury?
25 апреля – 27 сентября 2015
Victoria & Albert Museum
Cromwell Road
London SW7 2RL
www.vam.ac.uk
Она оказала влияние на парижскую моду 20-х годов
Костюм Клеопатры в русских балетах, Соня Делоне, Париж, 1918 год.
С началом Первой мировой войны в 1914 году Соня и её муж переехали в Испанию. В поисках нового источника дохода она познакомилась с художником Сергеем Дягилевым и начала разрабатывать костюмы для театрального представления «Клеопатра». Позже она открыла Casa Sonia, магазин одежды и дизайна, торгующий аксессуарами, мебелью и текстилем. Из Испании пара вернулась в Париж в 1921 году. Однако их финансовые проблемы были большими.
Simultaneous dresses: Три женщины, Соня Делоне, 1925 год.
К 1923 году она переключила своё внимание на дизайн повседневной одежды. Соня начала разрабатывать текстиль с геометрическими формами и яркими цветами, такими как ромбы, треугольники и полосы, которые отличались от натуралистических популярных дизайнов 1920-х годов
Изделия, которые она делала, были спроектированы так, чтобы соответствовать женскому телу, а не сопротивляться ему. Её искусство теперь стало пригодным для ношения. Она создавала произведения для современной творческой женщины. В 1925 году она открыла свою бутик-студию Atelier Simultané в Париже.На картине Сони 1925 года под названием «Simultaneous dresses: Three women» изображены три фигуры манекенов. За ними находится трёхкратная гардеробная ширма с тремя различными цветовыми схемами на каждой панели. Произведение искусства непосредственно отражает её как модельера, поскольку её искусство пересекается с модой и демонстрирует, как они вдохновляют друг друга. Её внимание было сосредоточено на дизайне одежды, пока фондовый рынок не рухнул в 1929 году. Соне пришлось закрыть свой бутик, но она продолжала заниматься дизайном текстиля.
Орфизм
Электрические призмы, Соня Делоне, 1914 год.
Период между 1911-1912 годами ознаменовал новое начало в современном искусстве, поскольку Делоне разработали новый абстрактный язык, называемый орфизмом. Этот термин определяет тип абстрактного искусства, которое обычно является геометрическим и направлено на то, чтобы передать ощущение простоты и чистоты. Орфизм произошёл от кубизма, но принёс больше ритма и движения цвета.
Певица фламенко, Соня Делоне, 1915 год.
Соня участвовала в первой волне абстракционизма в 1910-1920 годах. Она создавала произведения искусства, которые завораживали людей ритмом, движением и глубиной благодаря накладывающимся друг на друга ярким цветовым пятнам. Сопоставляя первичные и вторичные цвета, они создавали новую визуальную стимуляцию. Цвета будут выглядеть по-разному в зависимости от окружающих цветов, и они создадут для зрителя новый мощный визуальный опыт.
Рынок в Минхо, Соня Делоне, 1915 год.
Этот подход был включён в работу Сони, перенеся её методы в текстильные узоры геометрических форм. Соня и Роберт были вдохновлены быстрыми изменениями в обществе в это время, особенно появлением электрического уличного фонаря. Они хотели выяснить, как геометрические формы и цвета, взаимодействуют друг с другом. На самом деле, они начали с узнаваемых форм, но быстро перешли от кубизма к чистой абстракции, используя геометрические формы и чистые оттенки цветов. Цель состояла в том, чтобы исследовать цветовые отношения, придать цвету значение и создать абстрактные цветовые сопоставления.
Увлечение цветом
В 1911 году у Сони и Роберта Делоне родился сын. В качестве детского одеяла Соня шила лоскутное одеяло ярких цветов, напоминающее яркие цвета фольклорного украинского текстиля. Это стеганое одеяло является ранним примером приверженности Делоне к Одновременности, способу сочетания контрастных цветов для создания ощущения движения в глазу. И Соня, и Роберт использовали его в своей картине, чтобы вызвать быстрый темп нового мира, и это стало важным для привлекательности мебели Сони для дома и моды, которую она позже превратит в коммерческий бизнес.
Дважды в неделю в Париже Delaunays посещали Bal Bullier, модный ночной клуб и бальный зал. Хотя она не будет танцевать, Соня была вдохновлена движением и действием танцующих фигур. На рубеже веков мир быстро индустриализировался, и художники сочли образное представление недостаточным для описания изменений, которые они наблюдали. Для Роберта и Сони Делоне насыщение цвета было способом изобразить электрические вибрации современности и лучшим способом описать субъективность самости.
Достижения в науке о теории цвета доказали, что восприятие было непоследовательным среди отдельных воспринимающих. Субъективность цвета, а также осознание того, что видение представляет собой состояние постоянного потока, является отражением нестабильного мира политических и социальных изменений, в котором человек мог проверить только свой личный опыт. В качестве выражения своей субъективной сущности, а также из-за ее увлечения сочетанием цвета, Соня сделала первые платья одновременно, очень похожие на лоскутные лоскутные одеяла, которые она сделала для своего сына, которые она носила для Бал Буллиер.Вскоре она делала одинаковые предметы одежды для своего мужа и различных поэтов и художников, близких к паре, включая жилет для поэта Луи Арагона.
Робер Делоне В честь Блерио (Дань уважения Блерио): Описание произведения
К 1914 году Робер Делоне уже создал собственную вариацию на тему кубизма – орфизм, или симультанизм. В этом стиле и написана картина. Подобно тому, как кубисты разбирали женские тела, цветы и флейты на первичные формы, а потом соединяли их в собственном порядке формата «я так вижу», Робер Делоне поступал таким же образом со светом, разлагая его на спектр и соединяя в очередности, создающей ощущение движения цветовых масс. В качестве основного инструмента изображения в орфизме использовались концентрические круги контрастных цветов. Орфистские картины на первый взгляд могут показаться застывшим узором калейдоскопа – это справедливо и по отношению к «Чествованию Блерио».
Робера Делоне считают одним из провозвестников абстракционизма. Хотя в данном случае изображение только на первый взгляд можно назвать абстрактным, а если всмотреться, сразу становится заметна его относительная фигуративность: мы вполне отчетливо идентифицируем винт и крылья вертолета слева, а справа – человеческие фигуры. Всё дело в том, что беспредметность, равно как и эмоциональное воздействие не являлись основными целями художника. Свою задачу Робер Делоне видел в том, чтобы сделать цвет основным художественным приемом, целью и смыслом живописи. Он заявлял, что до него к цвету относились, как к «способу раскрашивать».
Сюжет этой картины безусловно несет и след футуризма с его интересом к машине и движению. Не обошлось и без «любимицы» Робера Делоне – на заднем плане справа Эйфелева башня, которая всегда узнаваема на его полотнах, написанных в любом стиле. К тому же, Луи Берлио – француз, а с башней как символом Франции разве что круассан мог бы соперничать.
Цветовые решение в симультанных картинах захватывают своей экспрессивностью, причем внутренняя динамика передается за счет соседства контрастных сочетаний. Особенно сильным в этом плане Делоне считал соседство синего и красного цвета. Производимый этим сочетанием эффект он называл «ударом кулака». На картине «В честь Блерио» это как раз один из основных цветовых контрастов, вокруг которых построено всё изображение.
Название «орфизм», данное Аполлинером изобретенному Робером Делоне направлению, явственно сообщает о «звучности» картин. «В честь Блерио» – отличная демонстрация этой звучности. Картина праздничная, радостная, она – о достижении, и расходящиеся концентрические диски словно разносят гул аэроплана, порывы ветра и радостные крики зрителей, ставших свидетелями исторического полета.
Робер Делоне Город Париж: Описание произведения
Кубизм в трактовке Делоне получается легким, воздушным и светлым. Его кубистические эксперименты – это, в первую очередь, игра со светом. Свет струится отовсюду, он – полноправный «персонаж», распадаясь на фрагменты, он буквально вплетается в изображение. Делоне не интересно раскладывание на фрагменты формы, гораздо увлекательнее для него задача разложить свет на его составляющие. Собственно, причиной ухода из кубизма он назовет именно этот фактор: «Свет как элемент картины нарушает конструктивность линии». И это нарушение Роберу Делоне куда милее, чем сама линия.
В картинах этого периода Робер Делоне уже отошел от кубистической линии, вернувшись к размытому постимпрессионистскому мазку. Совсем скоро он объявит, что суть живописи – в цвете и свете. Пока еще не объявил, но это уже очевидно, в паспортные данные «Города Парижа» хочется вписать не «холст, масло», а «свет, цвет».
«Город Париж» включает в себя элементы предыдущей картины, написанной в аналогичном стиле. «Три грации» есть и здесь, но они – не главные герои, а участники большого действа под названием Париж. Справа опознается Эйфелева башня – любимый объект Робера Делоне. Слева мы видим дома, мост через Сену, проплывающие над ней облака.
Картина распадается на фрагменты, каждый из которых подчинен собственной перспективе. Высокое строение на правой стороне мы видим явно с иной позиции, чем находящуюся в глубине Эйфелеву башню. Три женские фигуры на переднем плане подступают к зрителю совсем близко, в то время как мост через Сену слева от них явно расположен в отдалении, а дома за мостом – вообще видны под углом. Кажется, что глаз, воспринимающий картину, движется внутри этого разнонаправленного пространства. Многообразие перспектив, одновременно предстающих перед зрителем, является предтечей симультанизма. Робер Делоне с удивительной легкостью соединил эти разнонаправленные элементы. Картина отнюдь не производит впечатление нагромождения конструкций – напротив, легкость, изящество и сияние стали тем склеивающим веществом, которое соединило разрозненные фрагменты в единое неделимое целое. Писатель Блез Сандрар емко выразил происходящее на холстах Делоне фразой: «Так много точек зрения!»
История
Направление появилось в начале 20 века – в период 1907 – 1915 годов. В это время фиксируются первые работы, отмеченные характерными чертами стиля. Некоторые исследователи отмечают, что работы этого времени являются первыми попытками художников создать полотна в эклектическом стиле.
Термин появился после Международной выставки в Париже в 1925 году. На выставке были представлены предметы роскоши. Цель экспозиции – показать ведущее место Парижа в мире моды и стиля.
До 1928 года направление было достоянием только Европы, в начале 30-х годов появилась американская версия арт-деко, которая имела свои особенности.
История готического стиля в живописи
Америка. Streamline Moderne
Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики). В «стримлайн модерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилок, зданий и холодильников.
Этот архитектурный стиль ищет гладкие формы, поддерживает длинные горизонтальные линии, которые часто контрастируют с вертикальными изогнутыми поверхностями, и охотно вводит элементы, заимствованные из морской индустрии (перила и иллюминаторы). Его пик был достигнут около 1937 года.
Этот стиль был первым, который включил электрический свет в архитектурную структуру.
Настенная живопись
В Соединенных Штатах не было особого стиля ар-деко, хотя картины часто использовались в качестве украшения, особенно в правительственных зданиях и офисных зданиях. В 1932 году был создан проект «Общественные работы в искусстве», который позволил работать художникам без работы, потому что в стране — Великая депрессия. Через год проект заказал более пятнадцати тысяч произведений искусства. Известные американские художники были привлечены Федеральным художественным проектом, чтобы нарисовать украсить стены в правительственных зданиях, больницах, аэропортах, школах и университетах. Некоторые из самых известных художников Америки, в том числе Грант Вуд, Реджинальд Марш, Грузия О’Киф и Максин Альбро приняли участие в программе. Известный мексиканский художник Диего Ривера также принимал участие в программе, украшая стены. Картины были в разных стилях, включая регионализм, социальный реализм и американскую живопись.
Несколько изображений были также созданы для небоскребов Арт-Деко, в частности Рокфеллер-центра в
Нью-Йорке. В фойе были заказаны два изображения, авторы которых — Джон Стюарт Карри и Диего Ривера. Владельцы здания, семья Рокфеллеров, обнаружили, что Ривера, коммунист, поместил образ Ленина в толпу на картине и уничтожили его. Картина была заменена произведением другого испанского художника, Хосе Марии Серт.
Графика
Стиль Ар-деко появился на ранних этапах графического искусства, в годы незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже в плакатах и костюмах Леона Бакста для балета Русских и в каталогах модельеров Пола Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепепа и образы в журнале моды La Gazette du bon ton отлично отражают элегантность и чувственность стиля. В 1920-е годы внешний вид изменился; подчеркнутые моды были более случайными, спортивными и смелыми, а женщины-модели обычно курили сигареты. Американские журналы моды, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper’s Bazaar быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в Соединенных Штатах. Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент.
Плакат -предупреждение против пересечения улицы против света (1937)
В 1930-х годах в Соединенных Штатах во время Великой депрессии появился новый жанр плакатов. Художественный проект Федерального агентства нанял американских художников для создания плакатов по развитию туризма и культурных мероприятий.
Испания и Португалия
С началом Первой мировой войны Соня и Роберт отдыхали в Испании. Они решили не возвращаться в Париж, а вместо этого изгнать себя на Пиренейский полуостров. Они успешно обосновались в жизни экспатов, используя изоляцию, чтобы сосредоточиться на своей работе.
После русской революции 1917 года Соня потеряла доход, который она получала от тети и дяди в Санкт-Петербурге. Оставшись с небольшими средствами, живя в Мадриде, Соня была вынуждена основать мастерскую, которую она назвала Каса Соня (а позже переименованная в Бутик Симултане по возвращении в Париж). Из Casa Sonia она производила все более популярный текстиль, платья и товары для дома. Через ее связи с поддерживающим русским Сергеем Дягилевым, она разработала сногсшибательные интерьеры для испанской аристократии.
Делоне стал популярным в тот момент, когда мода значительно изменилась для молодых европейских женщин. Первая мировая война потребовала, чтобы женщины вошли в рабочую силу, и в результате их одежда должна была измениться, чтобы соответствовать их новым задачам. После окончания войны было трудно убедить этих женщин вернуться к более строгой одежде 1900-х и 1910-х годов. Такие фигуры, как Делоне (и, возможно, наиболее известный, ее современная Коко Шанель), предназначены для Новой женщины, которая больше интересовалась свободой передвижения и выражения
Таким образом, дизайны Делоне, в которых основное внимание уделялось движению глаза по их узорчатым поверхностям, также способствовали движению тела в их свободном прилегании и вздымающихся шарфах, в два раза доказывая, что Делоне был чемпионом этого радикально нового и захватывающего образа жизни. (Не говоря уже о том, что она была основным кормильцем для своей семьи, что делает Соню образцом для Новой Женственности.)
Биография и творчество
Первые пять лет жизни провела в городке Градижск Полтавской губернии, где её отец Эля Штерн работал управляющим на гвоздильном заводе. Мать — Хана Тевелевна Штерн (урождённая Терк) — происходила из Одессы.
С 1890 года жила в Санкт-Петербурге, воспитывалась в семье дяди по материнской линии, процветающего адвоката Генриха Тимофеевича (Гениха Товиевича) Терка и его жены Анны Сергеевны (Израилевны) Зак (1856—1911), дочери философа и семитолога Израиля Исааковича Зака (1831—1904), племянницы крупного петербургского банкира и финансиста Абрама Исааковича Зака (1828—1893) и публициста-палестинофила Григория Яковлевича Сыркина (1838—1922). Генрих Тимофеевич Терк (1847—1917) был членом правления издательства и акционерного общества «Брокгауз и Ефрон», возглавлял правления Богатовского сахарного завода, Ириновско-Шлиссельбургского промышленного общества, товарищества Сергинско-Уфалейских горных заводов, акционерного общества Финляндского лёгкого пароходства. Другие дяди — выпускник Медико-хирургической академии (1881) Яков Тевелевич (Тимофеевич) Терк (1850—?), работал железнодорожным врачом в Либаве, а в 1920—1930-е годы — в Крыму; Марк Тевелевич Терк, владелец конторы по продаже сельскохозяйственного оборудования в Одессе (ул. Градоначальницкая, 8).
Хотела быть удочеренной семьёй Терк, не получила разрешение матери, но взяла псевдоним Соня Терк. Семейство путешествовало по Европе, девочка побывала в крупнейших европейских музеях. Её способности в живописи были замечены школьным учителем рисования, по его совету она в восемнадцатилетнем возрасте отправилась учиться в Художественную академию Карлсруэ. В 1905 году, прочитав книгу Юлиуса Мейера-Грефе «Мане и его круг», решила переехать в Париж как центр искусств.
В Париже она осталась недовольна академической манерой преподавания, зато много времени проводила в художественных галереях. Находилась под влиянием Ван Гога, Гогена, Руссо, фовистов. Вышла замуж за немецкого коллекционера, галериста и художественного критика Вильгельма Уде в 1908 году. В 1909 году познакомилась с художником Робером Делоне, в 1910-м развелась с первым мужем и вышла замуж за Делоне (она уже была беременна от него).
Под влиянием кубистов Соня Делоне после 1911 года уходит в своих работах от натурализма и фигуративности в сторону геометрии и абстракции, экспериментирует с ритмом и с разложением цвета. В 1913 году Аполлинер, который познакомил супругов Делоне с Блезом Сандраром, назвал версию кубизма, которую развили в своих работах Соня и Робер, орфизмом. Соня создала иллюстрации к кубистической поэме Сандрара «Проза о транссибирском экспрессе и маленькой Жанне Французской» (1913, геометризм этой работы повлиял на поиски Пауля Клее).
1914—1920 годы супруги провели в Испании и Португалии, подружились с местными художниками. В Испании Соня Делоне познакомилась с Сергеем Дягилевым, возобновляла сгоревшие декорации Льва Бакста к балету «Клеопатра» в постановке Михаила Фокина для его представления в Лондонском Колизеуме(1918).
В 1920 году, по возвращении в Париж, Соня открыла модное ателье. В 1925 она участвовала в Международной выставке декоративного искусства вместе с Александрой Экстер, Надеждой Ламановой, Натаном Альтманом, Давидом Штеренбергом. Соня стала крупнейшим мастером ар-деко, её находки широко использовались в дизайне, керамике, сценографии, .
В 1930-е годы была близка к абстракционистским поискам Кандинского, Мондриана, Б. Хепуорт, М. Сёфора.
Известна также как иллюстратор книг, разработчица узоров для тканей «haute couture» и театральных костюмов. Работала также над скульптурой, керамикой и в технике акварели. По ее эскизам в Германии была издана колода игральных карт с рисунками стиля кубизм (Bielefelder Spielkartenfabrik GmbH, 1965 г.). Вместе со своим мужем участвовала в оформлении Парижской Всемирной выставки 1937 года, для которой создала панно величиной в 235 кв. м. Также вдвоём с Робером Делоне организовала парижский салон искусств Реалите Нувель.
Сын Сони и Робера, Шарль Делоне (1911—1988), был крупным музыкальным обозревателем, менеджером, фанатом и историком джаза. Двоюродный брат — инженер Александр Яковлевич Терк, литератор, переводчик, член Религиозно-философского общества, автор ряда учебных пособий.
Это интересно: 505,Биография Маршака краткое содержание
Симультанизм – круги, цвет, свет, одновременность
Второй брак оказался длиною в жизнь. Некоторые исследователи считают, что «Робер сделал Соню» как художника, что в корне неверно. К моменту встречи с Робером Соня уже написала «Филомену», «Спящую девушку», «Ню в желтом цвете».
Никакого Робера Делоне еще не было, а уверенное владение цветом, смелость кисти – были, равно как и отголоски Матисса, Гогена, раннего Пикассо.
Так что лучше не переходить в математические сферы, пытаясь вычислить, кто из супругов Делоне оказал на второго более сильное влияние, а удовлетвориться совершенно справедливым комментарием самой Сони: «Он дал мне форму, а я дала ему цвет».
Сначала молодожены родили сына Шарля (который стал одним из самых влиятельных исследователей и популяризаторов джаза), а чуть позже, в 1912-1913 годах «породили» другое детище – симультанизм. Этимология термина восходит к латинскому simul – вместе, одновременно. Искусствоведческие словари нам сообщают, что это «совмещение разновременных и разнопространственных моментов в одном изображении». Сами Соня и Робер заявляли, что симультанизм – это изображение движения цвета в свете.
Симультанизм представляет собой своеобразную трактовку кубизма. Соня Делоне вместе со своим мужем рисовали концентрические цветные круги, наполненные светом, создающие ощущение динамики. Цветовые соотношения, казалось, пульсировали и звучали на их полотнах. Публике симультанистские картины впервые были представлены на Салоне независимых в 1913 году. Гийом Аполлинер определил этот стиль как «орфизм», проводя аналогии между картинами четы Делоне и завораживающей музыкой древнегреческого Орфея.
Кстати, круги Соне Делоне отлично удавались не только на картинах. Она умела делать то, что называется «вращаться в кругах». Ловко встраивалась в компании, составляла удачные творческие партии, знакомилась с нужными людьми. А поскольку это не было синдромом проныры, а совмещалось с ярким талантом, то не удивительно, что она была успешной. Или все-таки удивительно? Успешной Соня Делоне была, кажется, во всём, за что бралась.
Учёба
Одеяло от Сони Делоне, 1911 год.
Когда Соня окончила среднюю школу в восемнадцать лет, она уговорила своего дядю поехать в Германию изучать искусство. Она два года училась в художественной школе в Германии, а в 1905 году переехала в Париж, где провела большую часть своей жизни. В Париже Соня увидела работы Ван Гога, Гогена и фовистов. Там она впервые вышла замуж за немца по имени Вильгельм Уде, искусствоведа и коллекционера. Для Вильгельма этот брак был идеальным прикрытием его нетрадиционной ориентации. Для Сони это помогло ей получить паспорт и вид на жительство в Париже. Позже она познакомилась со своим мужем и художественным партнёром Робертом Делоне. Когда Соня вышла замуж за Роберта в 1910 году, ей было двадцать пять лет, и она была беременна их сыном Чарльзом.Одеяло, которое Соня сшила для своего сына в 1911 году, послужило предлогом для последующего развития абстрактного искусства и орфизма. Она использовала кусочки ткани разных цветов, сочетая русские и народные элементы с парижским авангардом и экспериментируя с цветами и формами. Соня была вдохновлена крестьянскими одеялами, которые она использовала в России в детстве. Затем она попыталась применить тот же стиль к другим предметам и картинам.
Она была модельером
Le Bal Bullier, Соня Делоне, 1913 год.
Цвет и динамизм одновременности, разновидности орфизма, доминировали в начале двадцатого века в Париже. Двумя яркими примерами были картины Сони, серия «Электрические призмы» и «Ball Bullier». В 1913 году Соня и Роберт посетили этот бальный зал, который был общественным танцевальным залом для коллег-художников и писателей-авангардистов. Они даже оделись в костюмы, созданные Соней, включая «Simultaneous dress», которое она носила.
Simultaneous dress, Соня Делоне.
Идея для платья возникла из обрывков ткани, расположенных в абстрактном дизайне с динамичными цветами. Роберт также носил яркие цвета в своих сшитых на заказ костюмах. Это послужило вдохновением для её следующей картины «Le Bal Bullier». Она запечатлела энергию и движения танцоров в бальном зале. Картина демонстрирует интерес Сони к одновременной цветовой теории орфизма, которая будет доминировать в её карьере. На картине изображены яркие огни, смелые цвета и танцующие пары, подчёркивающие движения танцоров.
Робер Делоне Поцелуй: Описание произведения
«Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету.
Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов.
Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет.
Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё.
Ретроспектива в Лувре
Портрет Сони Делоне.
В июне 1940 года, незадолго до того, как немецкая армия достигла Парижа, Соня и её муж отправились на юг Франции. Когда началась Вторая мировая война, Роберт уже был очень болен. В конце концов он умер в октябре 1941 года в Монпелье. После смерти мужа Соня продолжала экспериментировать с абстракцией, работая как художником, так и дизайнером. В 1940-х и 1950-х годах она участвовала во второй волне абстракционизма, продвигая молодое поколение художников. Она собрала вместе множество разных художников, поэтов и писателей.
Соня Делоне со своими работами.
После 1959 года она была признана на многочисленных ретроспективных выставках. В 1964 году она стала первой женщиной-художницей, чьи работы при жизни были выставлены в Лувре, благодаря пожертвованию ста семнадцати работ, сделанных ею самой и её мужем Робертом. Соня продолжала получать широкое признание благодаря ещё одной ретроспективе в Национальном музее современного искусства в 1967 году, прежде чем, наконец, была награждена орденом Почётного легиона в 1975 году. Художница умерла в Париже в 1979 году в возрасте девяноста четырёх лет, оставив после себя большое художественное наследие.Источник
Рекомендую также прочесть :
Как McDonald’s пробуждает аппетит, почему китайцы не любят зеленый: 10 неожиданных фактов о цвете https://otari.mirtesen.ru/blog/43863081407/
Вечерние платья в стиле Гэтсби
Стиль арт-деко, так ярко продемонстрированный в вышеупомянутом фильме, – идеальный вариант, если вам предстоит светское мероприятие. Вы будете выделяться в толпе, эффектный образ гарантированно запомнится. Нарочито театральный и элегантный наряд придаст женщине легкую таинственность.
Вечернее платье в стиле арт-деко – настоящее произведение искусства, часто ручной работы. Поэтому эксклюзивные дизайнерские модели стоят очень дорого. Но, в то же время, простота кроя и легкость изготовления вполне могут послужить стимулом для домашнего творчества и создания стильного туалета своими руками.
Создаём вечерний туалет самостоятельно
Итак, решено сшить наряд на вечеринку самой. Для начала стоит разобраться, что для этого понадобится. Первым делом для шитья следует подобрать подходящую ткань. Согласно моде 20-х, подходят струящие ткани, например:
- шёлк;
- атлас;
- панбархат;
- шифон.
Можно использовать и трикотаж, но вечернее платье будет уже не столь эффектным. Что касается выкройки, то тут всё просто. Основа имеет вид прямоугольной трубы, а в области груди делаются небольшие выточки. Бёдра необходимо будет подчеркнуть, к примеру, украсив бахромой. Рукава делать не нужно. Платье должно держаться на тонких бретелях или вовсе обходиться без них.
Следующий шаг – декорирование костюма. Наиболее ответственный момент, так как аксессуарам и прочим атрибутам отводилось особое место. Передать джазовые настроения могут узоры паетками в области груди или внизу платья. Уместно обшить вечернее платье в стиле Гэтсби бисером, особенно бретели и нижний край наряда. Кстати, если для пошива вы выбрали шифон, то необходимо обязательно сделать подкладку.
Среди последних предложений дизайнеров – широкие пояса контрастного оттенка, мягкие тканевые цветы золотистого или серебристого цвета, а также кружевные либо атласные перчатки нейтральных цветов длиной до локтя или наоборот, очень короткие, не прикрывающие даже кисть целиком.
Платье гармонично дополнит меховой палантин, горжетка или накидка. Еще подойдет длинное яркое боа из перьев.
Вечерние туфли
Образ получится неполным, если не подобрать походящую обувь. Обязательное условие – высокий каблук. Идеальным вариантом будут строгие лакированные остроносые лодочки на шпильке. Если вы предпочитаете босоножки, их, наоборот, можно обильно украшать. Присмотритесь к моделям с несколькими ремешками вокруг щиколотки, вычурными пряжками, декоративными цветами из ткани и кожи.
Категорически не подойдет обувь в футуристическом стиле и характерные для нее детали – прозрачные или металлизированные каблуки необычной формы, металлический мысок, шипы и заклепки.
Аксессуары для вечера
Главный принцип – чем экстравагантнее и вычурнее, тем лучше. Излишняя роскошь только приветствуется
Важно создать по-настоящему вызывающий и запоминающийся образ
Единственное, что должно быть небольшим, это сумочка. Отдайте предпочтение броским клатчам, усыпанным стразами, пайетками, блестками, сделанным из металлизированной ткани. Еще один вариант – сумочка, напоминающая кошелек, на длинном тонком ремешке или металлической цепочке.
Украшения – массивные, яркие, бросающиеся в глаза. Надевайте несколько цепочек с подвесками, ниток жемчуга, бус. Руки могут быть унизаны браслетами буквально до локтя. То же относится и к кольцам на пальцах. Серьги – длинные подвески (до плеч и ниже). Сочетайте украшения из жемчуга, металла, бисера.
Головной убор
Образ получится незавершенным без головного убора. Настоящий must-have – шляпа-колокол (clauche). Сама по себе эта модель очень лаконична. Поэтому ее обильно украшают лентами, перьями, кружевом, пайетками. Допустима легкая вуаль.
Если такая шляпа вам не к лицу, присмотритесь к головным повязкам, лентам и ободкам, также с обилием декора.
Образ в стиле арт-деко (в стиле Гэтсби), в его современном прочтении – это строго и элегантно, но в то же время – легко, воздушно и изящно. Он идеально подойдет уверенным в себе женщинам, твердо стоящим на ногах, готовым отстаивать свою жизненную позицию и всегда поступающим в соответствии со своими принципами. При этом они остаются удивительно хрупкими и нежными, не теряя способности удивлять и восхищать.
Ранние годы
Соня Делоне родилась Софией Стерн в 1885 году на Украине. (Хотя она прожила там недолго, Делоне называла яркие закаты Украины источником вдохновения для создания своих красочных тканей.) К пяти годам она переехала в Санкт-Петербург, чтобы жить со своим богатым дядей. В конце концов, ее удочерила их семья, и она стала Соней Терк. (Делоне иногда называют Соней Делоне-Терк.) В Санкт-Петербурге Делоне жил жизнью культурного аристократа, изучая немецкий, английский и французский языки и часто путешествуя.
Делоне переехала в Германию, чтобы учиться в художественной школе, а затем в конце концов перебралась в Париж, где поступила в Академию де ла Палетт. Находясь в Париже, ее галерист Вильгельм Уде согласился жениться на ней в качестве одолжения, чтобы она не вернулась в Россию.
Несмотря на брак по расчету, ее связь с Уде сыграла важную роль. Делоне впервые выставила свое искусство в своей галерее и через него познакомилась со многими важными фигурами парижской арт-сцены, включая Пабло Пикассо, Жоржа Брака и ее будущего мужа Робера Делоне. Соня и Роберт поженились в 1910 году, после того, как Соня и Уде развелись.
